En rask tur med kunst gjennom tidene

Ta på deg fornuftige sko når vi tar fatt på en ekstremt forkortet turne i kunsten gjennom tidene. Hensikten med dette stykket er å treffe høydepunktene og gi deg den mest basale av det grunnleggende om de forskjellige epoker i kunsthistorien.

paleolittiske folk var strengt jegere-samlere, og livet var tøft. Mennesker gjorde et gigantisk sprang i abstrakt tenking og begynte å skape kunst i løpet av denne tiden. Fagstoff konsentrerte seg om to ting: mat og nødvendigheten av å skape flere mennesker.

Isen begynte å trekke seg tilbake og livet ble litt lettere. De Mesolittisk periode (som varte lenger i Nord-Europa enn det gjorde i Midt-Østen) så maleri bevege seg ut av hulene og inn på steiner. Maleri ble også mer symbolsk og abstrakt.

Spol frem til Neolitisk alder, komplett med jordbruk og husdyr. Nå som maten var rikelig, hadde folk tid til å finne opp nyttige verktøy som å skrive og måle. Målingsdelen må ha kommet godt med for megalitbyggerne.

Det skal bemerkes at "steinalder" -kunst fortsatte å blomstre rundt i verden for en rekke kulturer, helt frem til i dag. "Etnografisk" er et hendig begrep som her betyr: "Ikke gå veien for vestlig kunst."

"Landet mellom elvene" så et utrolig antall kulturer stige til - og falle fra - makten. De sumererne ga oss ziggurater, templer og mange skulpturer av guder. Enda viktigere, de forente naturlige og formelle elementer i kunsten. De Akkadians introduserte seiersstelen, hvis utskjæringer for alltid minner oss om sin dyktighet i kamp. De Babylonerne forbedret på stele, ved å bruke den til å registrere den første enhetlige lovkoden. De assyrerne løp løpsk med arkitektur og skulptur, både i lettelse og i runden. Etter hvert var det persere som satte hele området - og dets kunst - på kartet, da de erobret tilstøtende land.

Kunst i det gamle Egypt var kunst for de døde. Egypterne bygde graver, pyramider (forseggjorte graver) og Sfinxen (også en grav) og dekorerte dem med fargerike bilder av gudene de trodde styrte i etterlivet.

De minoiske kultur, på Kreta, og mykenere i Hellas brakte oss fresker, åpen og luftig arkitektur og marmoridoler.

Grekerne introduserte humanistisk utdanning, noe som gjenspeiles i kunsten deres. Keramikk, maleri, arkitektur og skulptur utviklet seg til forseggjorte, høyt utformede og dekorerte gjenstander som glorifiserte den største skapelsen av alle: mennesker.

På den italienske halvøyen omfavnet etruskerne regionen Bronsealderen på en stor måte, og produserer skulpturer som er kjent for å være stiliserte, dekorative og fulle av underforstått bevegelse. De var også entusiastiske produsenter av graver og sarkofager, ikke ulikt egypterne.

Da de ble fremhevet, forsøkte romerne først å utslette Etruskisk kunst, etterfulgt av mange angrep på Gresk kunst. Når de lånte fritt fra disse to erobrede kulturer, skapte romerne sin egen stil, en som stadig oftere sto for makt. Arkitektur ble monumental, skulpturer avbildet omdøpte guder, gudinner og fremtredende borgere, og i maleriet ble landskapet introdusert og fresker ble enorme.

Tidlig kristen kunst inngår i to kategorier: den av forfølgelsesperioden (fram til år 323) og den som kom etter Konstantin den store anerkjent kristendom: anerkjennelsesperioden. Den første er først og fremst kjent for bygging av katakomber og bærbar kunst som kan være skjult. Den andre perioden er preget av den aktive konstruksjonen av kirker, mosaikker og fremveksten av bookmaking. Skulptur ble bare nedlagt for verker som lettelse - alt annet ville blitt ansett som "graven bilder."

Ikke en brå overgang, som datoene antyder, avviket den bysantinske stilen gradvis fra den tidlige kristne kunsten, på samme måte som østkirken vokste lenger fra den vestlige. Bysantinsk kunst kjennetegnes ved å være mer abstrakt og symbolsk og mindre opptatt av at enhver dybdighet - eller tyngdekraften - fremgår av malerier eller mosaikker. Arkitektur ble ganske komplisert og kuplene dominerte.

I dag er islamsk kunst kjent for å være svært dekorativ. Motivene oversettes vakkert fra en kalk til et teppe til Alhambra. Islam har forbud mot avgudsdyrkelse, så vi har liten billedhistorie som resultat.

Disse årene var ganske kaotisk i Europa, da barbariske stammer søkte (og søkte og søkte) steder å bosette seg. Hyppige kriger brøt ut og konstant etnisk flytting var normen. Kunst i denne perioden var nødvendigvis liten og bærbar, vanligvis i form av dekorative pinner eller armbånd. Det lysende unntaket fra denne "mørke" tidsalderen i kunsten skjedde i Irland, som hadde den store formuen å unnslippe invasjonen. For en tid.

Charlemagne bygde et imperium som ikke overgikk hans knekkende og udugelige barnebarn, men den kulturelle vekkelsen som imperiet skapte viste seg å være mer holdbar. Klostre ble små byer der manuskripter ble masseprodusert. Gullsmedarbeid og bruk av edle og halvedelstener var på moten.

De Saxon Kong Otto I bestemte at han kunne lykkes der Charlemagne mislyktes. Dette fungerte heller ikke, men ottonisk kunst, med sine tunge bysantinske påvirkninger, pustet nytt liv i skulptur, arkitektur og metallverk.

For første gang i historien blir kunsten beskrevet av et begrep annen enn navnet på en kultur eller sivilisasjon. Europa ble mer en sammenhengende enhet, holdt sammen av kristendom og føydalisme. Oppfinnelsen av tønnhvelvet tillot kirker å bli katedraler og skulptur ble en integrert del av arkitekturen. I mellomtiden fortsatte maleriet hovedsakelig i opplyste manuskripter.

"Gotisk" ble først myntet for å (nedsettende) beskrive denne epokenes arkitekturstil, som tappet på lenge etter at skulptur og maleri hadde forlatt selskapet. De gotisk bue tillot store, skyhøye katedraler å bli bygget, som deretter ble dekorert med den nye teknologien i glassmalerier. Også i løpet av denne perioden begynner vi å lære mer individuelle navn på malere og billedhuggere - de fleste virker ivrige etter å legge alt gotisk bak seg. Fra begynnelsen av 1200, alle slags ville kunstneriske ting innovasjoner begynte å finne sted i Italia.

Dette var Golden Age of Florence. Den mektigste familien, Medici (bankfolk og velvillige diktatorer), brukte overdådig penger på ære for republikkens ære og forskjønnelse. Kunstnere strømmet inn for en del av largessen og bygde, skulpturerte, malte og begynte til slutt å stille spørsmål ved "regler" for kunsten. Kunst på sin side ble merkbart mer individualisert.

Alle de anerkjente mesterverkene fra klumpebegrepet "renessanse"ble opprettet i løpet av disse årene. Leonardo, Michelangelo, Raphael og selskap laget slike overgår mesterverk, faktisk at nesten alle kunstnere, for alltid etter, ikke engang prøve å male i denne stilen. Den gode nyheten var at på grunn av disse Renessansegrupperå være kunstner ble nå ansett som akseptabel.

Her har vi en annen først: an abstrakt betegnelse for en kunstnerisk æra. Renessansekunstnere fortsatte etter Raphaels død å foredle maleri og skulptur, men de søkte ikke en ny stil. I stedet skapte de det tekniske måte av sine forgjenger.

En renessanse fant sted andre steder i Europa, men ikke i klart definerte trinn som i Italia. Land og kongedømmer var opptatt med å jockeye for å være fremtredende (slåss), og det var det bemerkelsesverdige bruddet med den katolske kirken. Kunst tok baksetet for disse andre hendelsene, og stiler flyttet fra gotisk til renessanse til barokk på en slags ikke-sammenhengende, kunstner-for-kunstner-basis.

Humanisme, renessansen og reformasjonen (blant andre faktorer) arbeidet sammen for å forlate middelalderen for alltid, og kunsten ble akseptert av massene. Kunstnere fra barokkperioden introduserte menneskelige følelser, lidenskap og ny vitenskapelig forståelse for deres verk — hvorav mange beholdt religiøse temaer, uavhengig av hvilken kirke kunstnerne holdt kjære.

I det noen vil anse som et dårlig råd, tok Rococo barokkkunsten fra "fest for øynene" til direkte visuell gluttony. Hvis kunst eller arkitektur kunne være forgylt, pyntet eller på annen måte overtatt "toppen", la Rococo med glede til disse elementene. Som en periode var det (barmhjertig) kort.

Ting hadde løsnet opp, etter denne epoken, til at to forskjellige stiler kunne konkurrere om det samme markedet. Neo-klassisisme var preget av trofast studie (og kopi) av klassikerne, kombinert med bruk av elementer brakt frem av den nye arkeologiens vitenskap. Romantikken trosset derimot lett karakterisering. Det var mer en holdning—En gjort akseptabel av opplysning og gryning av sosial bevissthet. Av de to hadde romantikken langt mer innvirkning på kunstforløpet fra denne tiden fremover.

Utenom de to bevegelsene ovenfor, realister dukket opp (først stille, deretter ganske høyt) med overbevisningen om at historien ikke hadde noen mening og at kunstnere ikke skulle gjengi noe de ikke personlig hadde opplevd. I et forsøk på å oppleve "ting" ble de involvert i sosiale årsaker og fant seg ikke overraskende ofte på feil side av autoriteten. Realistisk kunst løsnet seg stadig mer fra form og omfavnet lys og farge.

Der realismen beveget seg fra form, kastet impresjonismen form ut av vinduet. Impresjonistene levde opp til navnet sitt (som de selv ikke hadde myntet opp): Kunst var et inntrykk, og som sådan kunne gjengis helt gjennom lys og farge. Verden ble først rasende av deres utryddelse, for deretter å akseptere. Med aksept kom impresjonismens slutt som en bevegelse. Oppdrag utført; kunsten sto nå fritt til å spre seg på noen måte den valgte.

De impresjonistene forandret alt da kunsten deres ble akseptert. Fra dette tidspunktet hadde artister frie tøyler til å eksperimentere. Selv om publikum foraktet resultatene, var det fremdeles kunst og tildelte dermed en viss respekt. Bevegelser, skoler og stiler - i svimlende antall - kom, gikk, divergerte fra hverandre, og noen ganger smeltet.

Det er ingen måte å virkeliggjøre alle av disse enhetene til og med en kort omtale her, så vi vil nå dekke bare noen få av de bedre kjente navnene.

Dette er en hendig tittel på det som ikke var en bevegelse, men en gruppe kunstnere (først og fremst Cézanne, Van Gogh, Seurat og Gauguin) som beveget seg forbi impresjonismen og videre til andre, separate bestrebelser. De holdt lys og farge impresjonisme brakt, men prøvde å sette noen av de andre elementene av kunst - form og linje, for eksempel - tilbake i Kunst.

Fauves ("villdyr") var franske malere ledet av Matisse og Rouault. Bevegelsen de skapte, med dens ville farger og skildringer av primitive gjenstander og mennesker, ble kjent som ekspresjonisme og spredte seg særlig til Tyskland.

I Frankrike oppfant Picasso og Braque kubisme, der organiske former ble brutt ned i en serie geometriske former. Oppfinnelsen deres vil være grunnleggende for Bauhaus i årene som kommer, samt inspirere den første moderne abstrakte skulpturen.

I mellomtiden ble futurisme dannet i Italia. Det som begynte da en litterær bevegelse beveget seg inn i en kunststil som omfavnet maskiner og den industrielle tidsalderen.

surrealisme handler om å avdekke den skjulte betydningen av drømmer og uttrykke underbevisstheten. Det var ikke tilfeldig at Freud allerede hadde publisert sine banebrytende psykoanalytiske studier før denne bevegelsens fremvekst.

Andre verdenskrig (1939–1945) avbrøt eventuelle nye bevegelser innen kunsten, men kunsten kom tilbake med hevn i 1945. Dukker opp fra en verden revet i stykker, Abstrakt ekspresjonisme forkastet alt - inkludert gjenkjennelige former - bortsett fra selvuttrykk og rå følelser.

Som reaksjon mot abstrakt ekspresjonisme, herliggjorde Pop Art de mest jordiske aspektene ved amerikansk kultur og kalte dem kunst. Det var moro kunst, skjønt. Og i det "skjer" midten av 60-tallet, Op (en forkortet betegnelse for optisk illusjon) Kunst kom på scenen, akkurat i tide til å maskere pent med den psykedeliske musikken.

De siste årene har kunsten endret seg i lynets hastighet. Vi har sett advent av performancekunst, konseptkunst, digital kunst og sjokkkunst, for bare å nevne noen få nye tilbud.

Ideer innen kunst vil aldri slutte å endre seg og gå videre. Likevel, når vi beveger oss mot en mer global kultur, vil kunsten vår alltid minne oss om våre kollektive og respektive innstillinger.