Origins and Schools of Abstract Art

Abstrakt kunst (noen ganger kalt ikke-objektiv kunst) er et maleri eller skulptur som ikke skildrer en person, sted eller ting i den naturlige verden. Med abstrakt kunst er emnet for arbeidet det du ser: farge, former, penselstrøk, størrelse, skala, og i noen tilfeller selve prosessen, som i actionmaleri.

Abstrakte kunstnere streber etter å være ikke-objektive og ikke-representative, slik at betrakteren kan tolke hvert kunstverk sin mening på sin egen måte. Dermed er abstrakt kunst ikke et overdrevet eller forvrengt syn på verden slik vi ser i de kubistiske maleriene av Paul Cézanne (1839–1906) og Pablo picasso (1881–1973), for de presenterer en type konseptuell realisme. I stedet blir form og farge fokus og emne for stykket.

Mens noen mennesker kan hevde at abstrakt kunst ikke krever de tekniske ferdighetene til representativ kunst, vil andre be om å være forskjellige. Det har faktisk blitt en av de største debattene innen moderne kunst. Som russisk abstrakt kunstner Vasily Kandinsky (1866–1944) sa det:

"Av all kunst er abstrakt maleri det vanskeligste. Det krever at du vet hvordan du tegner godt, at du har en økt følsomhet for komposisjon og farger, og at du er en ekte poet. Dette siste er viktig. "

Kunsthistorikere identifiserer typisk det tidlige 1900-tallet som et viktig historisk øyeblikk i abstraktkunstens historie. I løpet av denne tiden arbeidet kunstnere for å skape det de definerte som "ren kunst": kreative verk som ikke var forankret i visuelle oppfatninger, men i kunstnerens fantasi. Innflytelsesrike verk fra denne tidsperioden inkluderer Kandinsskys "Picture with a Circle" fra 1911 og "Caoutchouc", opprettet av den franske avantgardekunstneren Francis Picabia (1879–1953) i 1909.

Røttene til abstrakt kunst kan imidlertid spores mye lenger. Kunstnere assosiert med bevegelser som 1800-tallet impresjonisme og ekspresjonisme eksperimenterte med ideen om at maleri kan fange følelser og subjektivitet. Det trenger ikke bare å fokusere på tilsynelatende objektive visuelle oppfatninger. Når vi går lenger tilbake, fanget mange gamle bergmalerier, tekstilmønstre og keramikkdesign en symbolsk virkelighet i stedet for å prøve å presentere gjenstander slik vi ser dem.

Kandinsky regnes ofte som en av de mest innflytelsesrike abstrakte kunstnerne. Et syn på hvordan hans stil utviklet seg fra representativ til ren abstrakt kunst gjennom årene er et fascinerende blikk på bevegelsen generelt. Kandinsky var selv dyktig til å forklare hvordan en abstrakt kunstner kan bruke farger for å gi et tilsynelatende meningsløst arbeidsformål.

Kandinsky mente at farger provoserer følelser. Rødt var livlig og selvsikker; grønt var fredelig med indre styrke; blått var dypt og overnaturlig; gult kan være varmt, spennende, urovekkende eller helt bonkers; og hvitt virket stille, men full av muligheter. Han tildelte også instrumenttoner for hver farge. Rødt hørtes ut som en trompet; grønt hørtes ut som en midtposisjonsfiolin; lyseblått hørtes ut som en fløyte; mørkeblå hørtes ut som en cello, gul hørtes ut som en fanfare av trompeter; hvit hørtes ut som pausen i en harmonisk melodi.

Disse analogiene til lydene kom fra Kandinsskys takknemlighet for musikk, spesielt verkene til den samtidige wienerkomponisten Arnold Schoenberg (1874–1951). Kandinsskys titler refererer ofte til fargene i komposisjonen eller til musikk, for eksempel, "Improvisasjon 28" og "Sammensetning II."

Den franske artisten Robert Delaunay (1885–1941) tilhørte Kandinsky's Blue Rider (Die Blaue Reiter) gruppe. Med sin kone, russiskfødte Sonia Delaunay-Turk (1885–1979), graviterte de begge mot abstraksjon i sin egen bevegelse, Orphism eller Orphic Cubism.

I dag er "abstrakt kunst" ofte et paraplybegrep som omfatter et bredt spekter av stiler og kunstbevegelser. Inkludert blant disse er ikke-representativ kunst, ikke-objektiv kunst, abstrakt ekspresjonisme, kunstinformell (en form for gestalkunst), og til og med noen op art (optisk kunst, med henvisning til kunst som gjør bruk av optiske illusjoner). Abstrakt kunst kan være gestural, geometrisk, flytende eller figurativ - noe som innebærer ting som ikke er visuelle, for eksempel følelser, lyd eller spiritualitet.

Selv om vi har en tendens til å knytte abstrakt kunst til maleri og skulptur, kan det gjelde ethvert visuelt medium, inkludert samling og fotografering. Likevel er det malerne som får mest oppmerksomhet i denne bevegelsen. Det er mange bemerkelsesverdige kunstnere som representerer de forskjellige tilnærmingene man kan ta til abstrakt kunst, og de har hatt betydelig innflytelse på moderne kunst.

• Carlo Carrà (1881–1966) var en italiensk maler som er mest kjent for sitt arbeid i futurisme, en form for abstrakt kunst som la vekt på energien og den raskt skiftende teknologien på begynnelsen av det 20. århundre. I løpet av karrieren, han jobbet i kubismen i tillegg var mange av hans malerier abstraksjoner av virkeligheten. Imidlertid manifestet hans, "Maleri av lyder, støy og lukter" (1913) påvirket mange abstrakte artister. Det forklarer hans fascinasjon for synestesi, en sensorisk crossover der man for eksempel "lukter" en farge, som er kjernen i mange abstrakte kunstverk.
• Umberto Boccioni (1882–1916) var en annen italiensk futurist som fokuserte på geometriske former og var sterkt påvirket av kubismen. Arbeidene hans skildrer ofte fysisk bevegelse slik vi ser i "States of Mind" (1911). Denne serien med tre malerier fanger bevegelse og følelser fra en jernbanestasjon i stedet for den fysiske skildringen av passasjerer og tog.
• Kazimir Malevich (1878–1935) var en russisk maler som mange beskriver som en pioner innen geometrisk abstrakt kunst. Et av hans mest kjente verk er "Black Square" (1915). Det er forenklede, men helt fascinerende for kunsthistorikere, fordi, som en analyse fra Tate nevner, "Det er første gang noen laget et maleri som ikke var av noe."
• Jackson Pollock (1912–1956), en amerikansk maler, blir ofte gitt som den ideelle representasjonen av Abstrakt ekspresjonisme, eller handlingsmaling. Arbeidene hans er mer enn drypp og sprut av maling på lerret, men fullstendig gestural og rytmisk og benyttet ofte svært ikke-tradisjonelle teknikker. For eksempel, "Full Fathom Five" (1947) er en olje på lerret som delvis er laget med stifter, mynter, sigaretter og mye mer. Noen av hans arbeider, som "Det var syv i åtte" (1945) er enorme, og strekker seg over åtte meter i bredden.
• Mark Rothko (1903–1970) tok de geometriske sammendragene av Malevich til et nytt nivå av modernisme med fargefeltmaleri. Denne amerikanske maleren reiste seg på 1940-tallet og forenklet fargen til et emne helt på egen hånd, og omdefinerte abstrakt kunst for neste generasjon. Hans malerier, som "Fire Darks in Red" (1958) og "Oransje, rød og gul" (1961), er like bemerkelsesverdige for sin stil som for deres store størrelse.