En del av gleden ved å male i det 21. århundre er det brede spekteret av tilgjengelige uttrykksformer. På slutten av 1800- og 1900-tallet så kunstnere store sprang i maleri. Mange av disse nyvinningene ble påvirket av teknologiske fremskritt, for eksempel oppfinnelsen av metallmalingsrøret og utviklingen av fotografering, samt endringer i sosiale konvensjoner, politikk og filosofi, sammen med verdensbegivenheter.
Denne listen skisserer syv viktigste kunststiler (noen ganger referert til som "skoler" eller "bevegelser"), noen mye mer realistiske enn andre. Selv om du ikke vil være en del av den opprinnelige bevegelsen - gruppen kunstnere som generelt delte det samme malestil og ideer i løpet av en bestemt tid i historien - du kan fremdeles male på stilene de brukte. Ved å lære om disse stilene og se hva kunstnerne som jobber i dem laget og deretter eksperimentere med forskjellige tilnærminger selv, kan du begynne å utvikle og pleie din egen stil.
Realisme, der maleriets emne ligner på den virkelige saken i stedet for å bli stilisert eller abstrakt, er den stilen mange tror av som "ekte kunst." Bare når de undersøkes på nært hold, avslører det som ser ut til å være solide farger som en serie med penselstrøk av mange farger og verdier.
Realisme har vært den dominerende maleriet siden renessanse. Kunstneren bruker perspektiv for å skape en illusjon av rom og dybde, og setter komposisjonen og belysningen slik at motivet fremstår som ekte. Leonardo da Vinci "Mona Lisa"er et klassisk eksempel på stilen.
The Painterly-stilen dukket opp som Industrielle revolusjon feide Europa i første halvdel av 1800-tallet. Malere begynte å bli frigjort av oppfinnelsen av metallmalingsrøret, som tillot kunstnere å gå utenfor studioet, og begynte å fokusere på å male selv. Motiver ble gjengitt realistisk, men malere gjorde ingen anstrengelser for å skjule sitt tekniske arbeid.
Som navnet antyder ligger vektleggingen av maleriet: børstearbeidets karakter og pigmentene i seg selv. Kunstnere som arbeider i denne stilen prøver ikke å skjule det som ble brukt for å lage maleriet ved å jevne ut tekstur eller merker som ble igjen i malingen av en pensel eller annet verktøy, for eksempel en palettkniv. Maleriene av Henri Matisse er gode eksempler på denne stilen.
Impresjonismen dukket opp på 1880-tallet i Europa, hvor kunstnere som Claude Monet prøvde å fange lys, ikke gjennom detaljens detaljisme, men med gest og illusjon. Du trenger ikke å komme for nær Monets vannliljer eller Vincent Van Goghs solsikker for å se de dristige fargene, men det er ingen tvil om hva du ser på.
Gjenstander beholder det realistiske utseendet, men har en livlig atmosfære som er unik for denne stilen. Det er vanskelig å tro at de fleste kritikere hatet og latterliggjorde når impresjonistene først viste verkene sine. Det som da ble sett på som en uferdig og grov maleri, er nå elsket og æret.
ekspresjonisme og Fauvisme er lignende stiler som begynte å vises i studioer og gallerier på begynnelsen av 1900-tallet. Begge er preget av deres bruk av dristige, urealistiske farger valgt å ikke skildre livet som det er, men snarere slik det føles eller fremstår for kunstneren.
De to stilene er forskjellige på noen måter. Ekspresjonister, inkludert Edvard Munch, prøvde å formidle den groteske og skrekken i hverdagen, ofte med hyperstylisert penselverk og forferdelige bilder, som han pleide å ha stor effekt i sitt maleri "Skriket."
Til tross for sin nye fargebruk søkte fauvister å lage komposisjoner som avbildet livet i en idealisert eller eksotisk karakter. Tenk på Henri Matises stussende dansere eller George Braques pastoralscener.
Etter hvert som de første tiårene av 1900-tallet utspilte seg i Europa og Amerika, vokste maleriet mindre realistisk. Abstraksjon handler om å male essensen i et emne slik kunstneren tolker det, snarere enn de synlige detaljene. En maler kan redusere motivet til dets dominerende farger, former eller mønstre, som Pablo picasso gjorde med sitt berømte veggmaleri av tre musikere. Utøverne, alle skarpe linjer og vinkler, ser ikke minst ekte ut, men det er ingen tvil om hvem de er.
Eller en kunstner kan fjerne emnet fra sin sammenheng eller forstørre omfanget, slik Georgia O'Keeffe gjorde i sitt arbeid. Blomstene og skjellene hennes, strippet for sin fine detalj og svever mot abstrakt bakgrunn, kan ligne drømmende landskap.
Rent abstrakt arbeid, som mye av den abstrakte ekspresjonistiske bevegelsen på 1950-tallet, avskyr aktivt realismen og avslører omfavnelsen til det subjektive. Motivet eller poenget med maleriet er fargene som er brukt, teksturer i kunstverket, og materialene som er brukt for å lage det.
Jackson Pollocks dryppmalerier kan se ut som et gigantisk rot for noen, men det er ikke noe å benekte at veggmalerier som "Number 1 (Lavender Mist)" har en dynamisk, kinetisk kvalitet som holder din renter. Andre abstrakte artister, som Mark Rothko, forenklet temaet deres til farger. Fargefeltverk som mesterverket "Orange, Red and Yellow" fra 1961 er bare det: tre blokker med pigment der du kan miste deg selv.
Fotorealisme utviklet seg på slutten av 1960- og 70-tallet som reaksjon på abstrakt ekspresjonisme, som hadde dominert kunsten siden 1940-tallet. Denne stilen virker ofte mer ekte enn virkeligheten, der ingen detaljer blir utelatt og ingen feil er ubetydelig.
Noen kunstnere kopierer fotografier ved å projisere dem på et lerret for å fange nøyaktige detaljer. Andre gjør det på frihånd eller bruker et rutenettsystem for å forstørre et trykk eller et bilde. En av de mest kjente fotorealistiske malerne er Chuck Close, hvis hodeskudd på veggmalerier av andre artister og kjendiser er basert på øyeblikksbilder.