Hva betyr proporsjon i kunst?

Proporsjon og skala er kunstens prinsipper som beskriver størrelsen, plasseringen eller mengden av ett element i forhold til et annet. De har mye å gjøre med den generelle harmonien til et enkelt stykke og vår oppfatning av kunsten.

Som et grunnleggende element i kunstnerisk arbeid er proporsjoner og skala ganske komplekse. Det er også mange forskjellige måter de brukes av kunstnere.

Skala brukes i kunst for å beskrive størrelsen på en gjenstand i forhold til en annen, hver gjenstand blir ofte referert til som en hel. Proporsjon har en veldig lik definisjon, men har en tendens til å referere til den relative størrelsen på deler i en helhet. I dette tilfellet hel kan være et enkelt objekt som en persons ansikt eller hele kunstverket som i en landskap.

Hvis du for eksempel maler et portrett av en hund og en person, bør hunden være i riktig skala i forhold til personen. Personens kropp (og hundens også) skal stå i forhold til det vi kan kjenne igjen som menneske.

I hovedsak hjelper skala og proporsjoner betrakteren til å forstå kunstverket. Hvis noe virker feil, kan det være urovekkende fordi det er ukjent. Likevel kan artister også bruke dette til sin fordel.

Noen kunstnere forvrider proporsjoner med vilje for å gi verket et visst preg eller for å formidle et budskap. Fotomontasjearbeidet til Hannah Höch er et godt eksempel. Mye av arbeidet hennes er en kommentar til problemstillinger, og hun leker åpenlyst med skala og proporsjoner for å understreke poenget sitt.

Når det er sagt, er det en fin linje mellom dårlig utførelse i proporsjoner og målrettet forvrengning av proporsjoner.

Proporsjon og skala er med på å gi et kunstverk balansere. Vi har instinktivt en følelse av balanse (det er slik vi kan stå oppreist) og det relaterer seg også til vår visuelle opplevelse.

Balanse kan være symmetrisk (formell balanse) eller asymmetrisk (uformell balanse) og proporsjoner og skala er nøkkelen til vår oppfatning av balanse.

Symmetrisk balanse ordner gjenstander eller elementer slik at de er jevnt vektet, for eksempel nesen i midten av øynene. Asymmetrisk balanse betyr at gjenstander plasseres til en eller annen side. I et portrett, for eksempel, kan du tegne en person litt utenfor midten og få dem til å se mot midten. Dette vekter tegningen til siden og gir visuell interesse.

Leonardo da Vincis "Vitruvian Man" (ca. 1490) er et perfekt eksempel på proporsjoner i menneskekroppen. Dette er den velkjente tegningen av den nakne mannen i et rektangel som er innenfor en sirkel. Armene hans er utstrakte og bena vises både sammen og spredt utover.

Da Vinci brukte denne figuren som en studie av kroppens proporsjoner. Hans nøyaktige representasjon undersøkte hva folk trodde var den perfekte mannskroppen på den tiden. Vi ser denne perfeksjonen i Michelangelos "David"-statue også. I dette tilfellet brukte kunstneren klassisk gresk matematikk for å forme en perfekt proporsjonert kropp.

Oppfatningen av vakre proporsjoner har endret seg gjennom tidene. I Renessanse, menneskelige figurer har en tendens til å være fyldige og sunne (ikke overvektige på noen måte), spesielt kvinnene fordi det antydet fruktbarhet. Over tid endret formen på den "perfekte" menneskekroppen seg til det punktet hvor vi er i dag når motemodeller er veldig magre. I tidligere tider ville dette vært et tegn på sykdom.

Andelen av ansiktet er en annen bekymring for kunstnere. Folk er naturlig tiltrukket av symmetri i ansiktstrekk, så kunstnere har en tendens til øyne med perfekt avstand i forhold til nesen og en riktig størrelse munn. Selv om disse funksjonene ikke er symmetriske i virkeligheten, kan en artist korrigere det til en viss grad mens han opprettholder en persons likhet.

Kunstnere lærer dette helt fra begynnelsen med veiledninger i et riktig proporsjonert ansikt. Konsepter som Golden Ratio også veilede vår oppfatning av skjønnhet og hvordan proporsjonen, skalaen og balansen mellom elementer gjør et motiv eller hele stykket mer attraktivt.

Og likevel er perfekte proporsjoner ikke den eneste kilden til skjønnhet. Som Francis Bacon sa det, "Det er ingen utmerket skjønnhet som ikke har noen merkelighet i forholdet."

Skala påvirker også vår oppfatning av perspektiv. Et maleri føles tredimensjonalt hvis objekter er riktig skalert mot hverandre i forhold til synspunktet.

I et landskap skal for eksempel skalaen mellom et fjell i det fjerne og et tre i forgrunnen reflektere perspektivet til betrakteren. Treet er i virkeligheten ikke så stort som fjellet, men fordi det er nærmere betrakteren, virker det mye større. Hvis treet og fjellet var deres realistiske størrelser, ville maleriet mangle dybde, noe som er en ting som lager flotte landskap.

Det er også noe å si om skalaen (eller størrelsen) til et helt kunstverk. Når vi snakker om skala i denne forstand, bruker vi naturligvis kroppen vår som referansepunkt.

En gjenstand som kan passe i hendene våre, men som inkluderer delikate, intrikate utskjæringer kan ha like stor innvirkning som et maleri som er 8 fot høyt. Vår oppfatning er formet av hvor stort eller lite noe er sammenlignet med oss ​​selv.

Av denne grunn har vi en tendens til å undre oss mer over verk som er på ytterkanten av begge rekkevidden. Det er også grunnen til at mange kunstverk faller innenfor et visst område på 1 til 4 fot. Disse størrelsene er komfortable for oss, de verken overvelder plassen vår eller går seg vill i den.