Lær om "The Red Studio" av Henri Matisse

Matisse får sin plass i tidslinjen for maling på grunn av sin fargebruk. Han gjorde ting med farger ingen hadde før, og påvirket mange kunstnere som fulgte etter. Matisse Red Studio er viktig for fargebruk og flatt perspektiv, forandring av virkeligheten og vår oppfatning av rom.

Han malte den i 1911, etter eksponering for tradisjonell islamsk kunst under et besøk i Spania, som påvirket hans bruk av mønster, dekorasjon og skildring av rommet. Red Studio blir gruppert sammen med tre andre malerier Matisse gjorde det året - Malerens familie, The Pink Studio, og Interiør med auberginer - som stående "ved et veikryss for vestlig maleri, der den klassiske utadvendte, overveiende representasjonskunsten fra tidligere møtte fremtidens foreløpige, internaliserte og selvrefererende etos"1.

Elementene Matisse inkluderte "senke deres individuelle identiteter i det som ble en langvarig meditasjon om kunst og liv, rom, tid, persepsjon og selve virkeligheten."2 Eller uttrykt langt mer forenklet, han malte en personlig virkelighet, verden slik han oppfattet og opplevde den, på en måte som ga mening for ham.

Hvis du ser på hans tidligere malerier, for eksempel Harmony in Red, malt i 1908, vil du se Matisse jobbet mot stilen i Red Studio, det dukket ikke opp fra ingensteds.

Men perspektivet er alt galt...

Matisse fikk ikke perspektivet "feil", han malte det slik han ønsket det. Han flatet perspektivet i rommet, og endret det fra hvordan vi oppfatter perspektiv med øynene.

Spørsmålet om å få perspektiv "riktig" gjelder bare hvis du prøver å male i en realistisk stil, det vil si å skape en illusjon av virkelighet og dybde i et maleri. Hvis det ikke er ditt mål, kan du ikke få perspektivet "feil". Og det er ikke det at Matisse heller ikke visste hvordan han skulle få det "riktig"; han valgte bare å ikke gjøre det på den måten.

Et maleri er til slutt en fremstilling eller et uttrykk for noe gjenskapt i to dimensjoner, det trenger ikke å gjøre det som en illusjon av tre dimensjoner. Vestlige maleristiler før renessansen brukte ikke det vi nå tenker på som tradisjonelt perspektiv (f.eks. Gotisk). Kinesiske og japanske kunstformer har aldri gjort det. Kubisme bryter bevisst opp perspektivet og representerer et enkelt objekt fra flere synsvinkler.

Ikke bli lurt til å tenke Red Studio er et helt flatt maleri eller stil. Det er fremdeles en følelse av dybde i rommet, skapt av arrangementet av elementene. For eksempel er det en linje til venstre der gulvet og veggen møtes (1). Møblene kan reduseres til omriss, men bordkantene vinkler fremdeles når de kommer lenger bort (2), og det samme gjør stolen (3). Maleriene bak er tydelig støttet mot en vegg (4), selv om det ikke er noen skille mellom side / bakveggene (5) slik det er mellom gulv og sidevegg. Men vi leser kanten av det store maleriet som værende i hjørnet uansett.

Det kan til og med sies at hvert element i maleriet opplever perspektiv, men presenteres som om kunstneren bare så det. Stolen er i topunktsperspektiv, bordet i ett, vinduet er også innfelt til et forsvinningspunkt. De er satt sammen, nesten en collage av forskjellige synspunkter.

Et villedende enkelt maleri

Jeg tror dette er et maleri med villedende enkel komposisjon. Det kan se ut som at Matisse plukket ting på lerretet et hvilket som helst gammelt sted, eller at han malte bordet først og deretter måtte fylle opp resten av rommet med noe. Men se på hvordan ordningen med elementene fører blikket ditt rundt maleriet.

På bildet har jeg merket de sterkeste retningslinjene for meg, og skyver øyet opp fra bunnen og tilbake fra kantene, rundt og rundt for å ta inn alt. Det er selvfølgelig mulig å se dette på andre måter, for eksempel oppe til høyre, så over til venstre. (Selv om måten du leser et maleri på, påvirkes av retningen du leser tekst i.)

Tenk på hvordan han har malt de forskjellige elementene, som er redusert til konturer og som får fremtredelse. Legg merke til at det ikke er noen skygger, men det er et reflektert høydepunkt på glasset. Skjel på maleriet for å se lysområdene tone tydeligere, og hvordan skape et samhold i komposisjonen.

Du kan ikke se det på bildet, men omrissene er ikke malt på toppen av det røde, men farger under det røde som viser gjennom. (Hvis du jobber i akvarell, må du maskere disse områdene, og med akryl må du sannsynligvis male det på toppen av hvor raskt de tørker, men med oljer du kan ripe gjennom til den nedre fargen hvis det laget var tørt.)

"Ikke bare flommet Matisse sitt billedlige rom med en flat, monokromatisk innsjø i full metning, og oversvømmet studioets skrå vinkel; i tillegg behandlet han alt tredimensjonalt som ingenting mer enn innskrevne konturer. I mellomtiden kommer de eneste gjenstandene som er tillatt i fullfarge eller modellering, begrepsmessig flatt i kraft av deres vesen i seg selv flate - det vil si den sirkulære platen i forgrunnen og maleriene hang på veggen eller stablet mot den."
- Daniel Wheeler, Kunst siden midten av århundre, p16.

Et selvbiografisk maleri

Elementene i Red Studio inviter deg inn i Matisses verden. For meg leser den "tomme" biten i forgrunnen som gulvplass, der jeg vil være blant tingene i studioet. Elementene danner et slags rede der den kreative prosessen finner sted.

Maleriene som er avbildet er alle av ham, det samme er skulpturene (1 & 2). Legg merke til boksen med blyanter eller trekull (3) på bordet og hans staffeli (4). Men hvorfor har ikke klokken hender (5)?

Beskriver Matisse den kreative prosessen? Tabellen fungerer som en beholder for ideene om mat og drikke, natur og kunstnerens materialer; essensen av en kunstners liv. Det er representasjon av forskjellige emner: portretter, stilleben, landskap. Et vindu for belysning. Tidens gang er betegnet både av klokken og de innrammede / uinnrammede (uferdige?) Maleriene. En sammenligning blir gjort med verdens tredimensjonalitet med skulpturer og en vase. Endelig er det kontemplasjon, en stol posisjonert for å se kunsten.

Red Studio var ikke opprinnelig rød. I stedet for det "var opprinnelig et blågrått interiør, som nærmere tilsvarer det hvite i studioet til Matisse slik det faktisk var. Denne ganske kraftige blågråen kan fremdeles sees med det blotte øye døgnet rundt og under den tynnere malingen på venstre side. Hva som tvang Matisse til å transformere studioet sitt med denne blendende røde har blitt diskutert: det har til og med blitt antydet at det ble stimulert mest synlig av etterbildet av greener fra hagen på en varm dag."
- John Gage, Farge og kultur p212.

I henne biografi (side 81) Hilary Spurling sier: "Besøkende til Issy [Matisse's Studio] fattet umiddelbart at ingen hadde sett eller forestilt seg noe lignende før... [The Red Studio-maleriet] så ut som et frittliggende veggsegment med rudimentære gjenstander som svever eller henger på... Fra nå av (1911) malte han virkeligheter som bare fantes i hans sinn."

Det er ikke engang godt malt...

• "Det ser ut som om han ikke kunne bestemme hvor han skulle sette ting."
• "Det er bare en feil med biter uten hensyn til komposisjonsdesign."
• "Han kunne ha portrettert følelsene sine om dette rommet med stykkene sine på en mye mer behagelig måte, og kanskje ikke ville hatt å forklare det."
• "Brikkene er ikke engang malt godt."

Kommentarer som disse (laget på Painting Forum) reiser spørsmålet: "Hva definerer du som" godt malt "?" Trenger du det for å være med realistiske, fine detaljer? Mener du malerisk hvor du tydelig kan se hva det er, men det er også en følelse av maling / penselstrøk som brukes til å lage bildet? Kan den formidle en følelse av en ting uten fine detaljer? Er en viss grad av abstraksjon akseptabel?

Til slutt kommer det til personlig preferanse, og vi er heldige å leve i en tid der så mange stiler eksisterer. Imidlertid er det bare å male gjenstander, slik at de ser ut som realistiske representasjoner av seg selv, begrenser potensialet til maling, etter min mening. Realisme er bare en malestil. Det føles "riktig" for mange mennesker på grunn av fotograferingens innflytelse, det vil si at bildet ser ut akkurat som det det representerer. Men det begrenser så potensialet i mediet (og fotografering for den saks skyld).

Å vite hva du liker og ikke liker er en del av å utvikle din egen stil. Men å avvise en kunstners arbeid uten å finne ut hvorfor du ikke liker det eller vite hvorfor det regnes som en Big Deal, er å stenge en potensiell vei for oppdagelse. En del av å være maler er å være åpen for muligheter, å eksperimentere bare for å se hvor det kan ta deg. Uventede ting kan komme fra uventede kilder. Gang på gang får jeg e-post fra folk som har taklet forskjellige Maleprosjekter og sa at de aldri hadde gjort noe lignende før, og ble positivt overrasket over resultatene. For eksempel: The Worrier and Pinpointing the Problem!.

Jeg tror ikke jeg noen gang vil like Matises malerier

Å like en kunstners verk er ikke det samme som å forstå dets betydning innenfor kunstens tidslinje. Vi er så vant til "feil" perspektiv i dag, vi tenker ikke mye over det (uansett om vi liker det eller ikke). Men på et eller annet tidspunkt var en kunstner den første som gjorde dette.

En del av forståelsen av The Red Studio kommer fra sammenhengen der Matisse jobbet og konseptet, ikke bare selve maleriet. Et sammenlignbart eksempel vil være fargemeldemaleriene til Rothko; det er vanskelig å se for seg en tid da å dekke et lerret med bare farge var uten sidestykke.

Hvem som blir skrevet inn i bøkene som en mester er et spørsmål om mote og til en viss grad flaks, å være i rette steder eller gallerier til rett tid, med akademikere og kuratorer som forsker og skriver om din arbeid. Matisse gikk gjennom en periode med å bli avskjediget som bare dekorativ (og verre), men har blitt revurdert og gitt en mer fremtredende rolle. Nå er han godt ansett for sin enkelhet, fargebruk, design.