54 Berømte malerier laget av berømte kunstnere

click fraud protection

Å være en kjent kunstner i livet ditt er ingen garanti for at andre artister vil huske deg. Har du hørt om den franske maleren Ernest Meissonier?

Han var samtidig med Edouard Manet og den langt mer vellykkede artisten om kritikerrost og salg. Det motsatte er også sant, med Vincent van Gogh. Van Gogh stolte på sin bror, Theo, for å gi ham maling og lerret, men i dag henter maleriene rekordpriser når de kommer opp på en kunstauksjon, og han er et kjent navn.

Å se på berømte malerier fortid og nåtid kan lære deg mange ting, inkludert komposisjon og håndtering av maling. Skjønt den viktigste leksjonen er at du til slutt skal male for deg selv, ikke for et marked eller ettertiden.

"Night Watch" - Rembrandt

Nattvakt - Rembrandt
"Night Watch" av Rembrandt. Olje på lerret. I samlingen til Rijksmuseum i Amsterdam.Rijksmuseum / Amsterdam

"Night Watch" -maleriet av Rembrandt er i den Rijksmuseum i Amsterdam. Som bildet viser er det et enormt maleri: 363x437cm (143x172 "). Rembrandt avsluttet den i 1642. Den sanne tittelen er "The Company of Frans Banning Cocq and Willem van Ruytenburch", men den er bedre kjent akkurat som

instagram viewer
Nattevakt. (Et selskap som er en militsvakt).

Maleriets sammensetning var veldig forskjellig i perioden. I stedet for å vise figurene på en ryddig, ryddig måte, hvor alle fikk samme fremtredende plass og plass på lerretet, har Rembrandt malt dem som en travel gruppe i aksjon.

Rundt 1715 ble det malt et skjold på "Night Watch" med navnene på 18 personer, men bare noen av navnene hadde noen gang blitt identifisert. (Husk så hvis du maler et gruppeportrett: tegne et diagram på baksiden for å gå med navnene til alle så fremtids generasjoner vil vite!) I mars 2009 avslørte den nederlandske historikeren Bas Dudok van Heel endelig mysteriet om hvem som er hvem i maleri. Hans forskning fant til og med klesplagg og tilbehør som er avbildet i "Night Watch" som er nevnt i oversikten over familiegods, som han deretter samlet med alderen til de forskjellige militsmennene i 1642, året maleriet var fullført.

Dudok van Heel oppdaget også at i hallen der Rembrandts "Night Watch" først ble hengt, var det seks grupper portretter av en milits som opprinnelig ble vist i en kontinuerlig serie, ikke seks separate malerier som lenge har vært trodde. Snarere de seks gruppeportrettene av Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart og Flinck dannet en ubrutt frise som hver matchet hverandre og festet i trepanelet i rommet. Eller, det var meningen. Rembrandts "Night Watch" passer ikke med de andre maleriene i hverken komposisjon eller farge. Det ser ut til at Rembrandt ikke fulgte vilkårene i kommisjonen. Men hvis han hadde hatt det, hadde vi aldri hatt dette påfallende forskjellige gruppeportrettet fra 1600-tallet.

"Hare" - Albrecht Dürer

Kanin eller hare - Albrecht Dürer
Albrecht Dürer, Hare, 1502. Akvarell og gouache, pensel, forsterket med hvit gouache.Albertina Museum

Vanligvis referert til som Dürer's kanin, den offisielle tittelen på dette maleriet kaller det en hare. Maleriet er i den permanente samlingen av Batliner Collection av Albertina Museum i Wien, Østerrike.

Den ble malt med akvarell og gouache, med de hvite høydepunktene gjort i gouache (i stedet for å være den umalte hvite på papiret).

Det er et spektakulært eksempel på hvordan pels kan males. For å etterligne det, avhenger tilnærmingen du tar av hvor mye tålmodighet du har. Hvis du har ødler, vil du male med en tynn børste, ett hår av gangen. Bruk ellers en tørr pensleteknikk eller del hårene på en børste. Tålmodighet og utholdenhet er viktig. Arbeid for raskt på våt maling, og individuelle slag risikerer å blandes. Ikke fortsett lenge nok, og pelsen ser ut til å være mager.

Takfreske i Det sixtinske kapell - Michelangelo

Det sixtinske kapell
Sett under ett er takfresken i Det sixtinske kapell overveldende; det er rett og slett for mye å ta inn, og det virker utenkelig at freskoen er designet av en kunstner.Franco Origlia / Getty Images

Maleriet av Michelangelo av taket i Det sixtinske kapell er en av de mest berømte freskomaleriene i verden.

Det sixtinske kapell er et stort kapell i det apostolske palasset, den offisielle residensen til paven (lederen av den katolske kirken) i Vatikanstaten. Den har mange fresker malt i den, av noen av de største navnene på renessansen, inkludert veggfresker av Bernini og Raphael, men er likevel mest kjent for freskomaleriene i taket av Michelangelo.

Michelangelo ble født 6. mars 1475 og døde 18. februar 1564. På oppdrag av pave Julius II arbeidet Michelangelo medtaket i Det sixtinske kapell fra mai 1508 til oktober 1512 (det ble ikke gjort noe arbeid mellom september 1510 og august 1511). Kapellet ble innviet 1. november 1512 på høytidenes høytid.

Kapellet er 40,23 meter langt, 13,40 meter bredt og taket 20,70 meter over bakken på sitt høyeste punkt1. Michelangelo malte en serie bibelske scener, profeter og Kristi forfedre, samt trompe l'oeil eller arkitektoniske trekk. Takets hovedområde skildrer historier fra historiene fra 1. Mosebok, inkludert skapelsen av menneskeheten, menneskets fall fra nåde, flommen og Noah.

Sixtinske kapellloft: en detalj

Sixtinske kapellloft - Michelangelo
Opprettelsen av Adam er kanskje det mest kjente panelet i det berømte sixtinske kapell. Legg merke til at komposisjonen er utenfor sentrum.Fotopress / Getty Images

Panelet som viser skapelsen av mennesket er trolig den mest kjente scenen i den berømte freskoen av Michelangelo på taket i Det sixtinske kapell.

Det sixtinske kapell i Vatikanet har mange fresker malt, men er likevel mest kjent for freskomaleriene i taket av Michelangelo. Omfattende restaurering ble utført mellom 1980 og 1994 av Vatikanets kunsteksperter, og fjernet hundrevis av røyk fra stearinlys og tidligere restaureringsarbeid. Dette avslørte farger mye lysere enn tidligere antatt.

Pigmenter som Michelangelo brukte inkluderte oker for røde og gule, jernsilikater for greener, lapis lazuli for blues og trekull for svart.1 Ikke alt er malt så mye detaljer det først dukker opp. For eksempel er figurer i forgrunnen malt mer detaljert enn de i bakgrunnen, noe som gir følelsen av dybde i taket.

Mer om det sixtinske kapell:

• Vatikanmuseene: Det sixtinske kapell
• Virtuell omvisning i Det sixtinske kapell

Kilder:
1 Vatikanmuseene: Det sixtinske kapell, nettsiden til Vatikanstaten, åpnet 9. september 2010.

Leonardo da Vinci Notatbok

Leonardo da Vinci Notisbok i V & A Museum i London
Denne lille notisboken av Leonardo da Vinci (offisielt identifisert som Codex Forster III) er i V&A Museum i London.Marion Boddy-Evans / Lisensiert til About.com, Inc.

Renessanseartisten Leonardo da Vinci er ikke bare kjent for sine malerier, men også for notatbøker. Dette bildet viser en i V&A Museum i London.

V&A Museum i London har fem av Leonardo da Vincis notatbøker i samlingen. Denne, kjent som Codex Forster III, ble brukt av Leonardo da Vinci mellom 1490 og 1493 da han jobbet i Milano for hertug Ludovico Sforza.

Det er en liten notisbok, den typen størrelse du enkelt kan ha i en kappelomme. Den er fylt med alle slags ideer, notater og skisser, inkludert "skisser av hestens ben, tegninger av hatter og klær som kan ha vært ideer til kostymer på baller, og en redegjørelse for menneskets anatomi hode."1 Selv om du ikke kan bla om sidene på notatboken i museet, kan du bla gjennom den på nettet.

Det er ikke lett å lese håndskrift, mellom den kalligrafiske stilen og hans bruk av speilskriving (bakover, fra høyre til venstre), men noen synes det er fascinerende å se hvordan han setter alle slags i en notisbok. Det er en fungerende notisbok, ikke et utstillingsverk. Hvis du noen gang bekymret deg for at din kreativitetsdagbok ikke ble gjort eller organisert på en eller annen måte, ta ledelsen fra denne mesteren: gjør det som du trenger.

Kilde:
1. Utforsk Forster Codices, V&A Museum. (Tilgang 8. august 2010.)

"The Mona Lisa" - Leonardo da Vinci

Mona Lisa - Leonardo da Vinci
"The Mona Lisa" av Leonardo da Vinci. Malt ca. 1503-19. Oljemaling på tre. Størrelse: 77x53cm. Dette berømte maleriet er nå i samlingen av Louvre i Paris.Stuart Gregory / Getty Images

Leonardo da Vinci"Mona Lisa" -maleriet i Louvre i Paris er uten tvil det mest berømte maleriet i verden. Det er trolig også det mest kjente eksemplet på sfumato, en maleteknikk som delvis er ansvarlig for hennes gåtefulle smil.

Det har vært mye spekulasjoner om hvem kvinnen på maleriet var. Det antas å være et portrett av Lisa Gherardini, kone til en florentinsk tøyhandler som heter Francesco del Giocondo. (Kunstforfatteren Vasari fra 1500-tallet var blant de første som antydet dette, i "Lives of the Artists"). Det ble også antydet at grunnen til smilet hennes var at hun var gravid.

Kunsthistorikere vet Leonardo hadde startet "Mona Lisa" innen 1503, ettersom det ble registrert det året av en høytstående florentinsk tjenestemann, Agostino Vespucci. Når han er ferdig er det mindre sikkert. Louvre daterte opprinnelig maleriet til 1503-06, men funn gjort i 2012 antyder at det kan ha vært så mye som et tiår senere før den ble ferdig basert på at bakgrunnen var basert på en tegning av bergarter han er kjent for å ha gjort i 1510-15.1 Louvre endret datoene til 1503-19 i mars 2012.

Kilde:
1. Mona Lisa kunne ha blitt fullført et tiår senere enn antatt i The Art Newspaper, av Martin Bailey, 7. mars 2012 (åpnet 10. mars 2012)

Berømte malere: Monet i Giverny

Monet
Monet sitter ved siden av vannliljedammen i hagen sin i Giverny i Frankrike.Hulton Archive / Getty Images

Referansebilder for maleri: Monets "Garden at Giverny."

En del av grunnen til at den impresjonistiske maleren Claude Monet er så kjent, er hans malerier av refleksjonene i liljedammene han skapte i sin store hage i Giverny. Det inspirerte i mange år, helt til slutten av livet hans. Han skisserte ideer til malerier inspirert av dammer, og han skapte små og store malerier både som enkeltverk og serier.

Claude Monets signatur

Claude Monets signatur
Claude Monets signatur på hans Nympheas-maleri fra 1904.Bruno Vincent / Getty Images

Dette eksemplet på hvordan Monet signerte sine malerier er fra et av hans vannliljemalerier. Du kan se at han har signert den med navn og etternavn (Claude Monet) og året (1904). Det er nederst i høyre hjørne, langt nok til at det ikke blir kuttet av rammen.

Monets fulle navn var Claude Oscar Monet.

"Impression Sunrise" - Monet

Soloppgang - Monet (1872)
"Impression Sunrise" av Monet (1872). Olje på lerret. Ca 48x63 cm. For tiden i Musée Marmottan Monet i Paris.Buyenlarge / Getty Images

Dette maleriet av Monet ga navnet til impresjonistisk stil av kunst. Han stilte den ut i 1874 i Paris i det som ble kjent som den første impresjonistiske utstillingen.

I sin anmeldelse av utstillingen som han ga tittelen "Exhibition of Impressionists" sa kunstkritikeren Louis Leroy:

"Bakgrunn i sin embryonale tilstand er mer ferdig enn det marinemaleriet."

Kilde:
1. "L'Exposition des Impressionnistes" av Louis Leroy, Le Charivari, 25. april 1874, Paris. Oversatt av John Rewald i Historien om impresjonismen, Moma, 1946, p256-61; sitert i Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History av Bruce Altshuler, Phaidon, s42-43.

"Haystacks" -serien - Monet

Haystack Series - Monet - Art Institute of Chicago
En samling av berømte malerier for å inspirere deg og utvide din kunstkunnskap.Mysticchildz / Nadia / Flickr

Monet malte ofte en serie av samme emne for å fange lysets skiftende effekter og byttet lerret etter hvert som dagen gikk.

Monet malte mange emner igjen og igjen, men hver og en av seriemaleriene hans er forskjellige, enten det er et maleri av en vannlilje eller en høystak. Ettersom Monets malerier er spredt i samlinger rundt om i verden, er det vanligvis bare i spesielle utstillinger at seriemaleriene hans blir sett på som en gruppe. Heldigvis, den Art Institute i Chicago har flere av Monets høstakksmalerier i samlingen, ettersom de gjør imponerende ser sammen:

  • Stack av hvete
  • Tine, solnedgang
  • Solnedgang, snøeffekt
  • Snøeffekt, overskyet dag
  • Slutten av sommeren

I oktober 1890 skrev Monet et brev til kunstkritikeren Gustave Geffroy om høystakkserien han malte og sa:

"Jeg er vanskelig på det, jobber hardnakket med en rekke forskjellige effekter, men på denne tiden av året går solen så fort at det er umulig å følge med... jo lenger jeg kommer, jo mer ser jeg at mye arbeid må gjøres for å gjengi det jeg leter etter: "øyeblikkelig", "konvolutten" fremfor alt, det samme lyset spredt over alt... Jeg blir stadig mer besatt av behovet for å gjengi det jeg opplever, og ber om at jeg får noen gode år igjen til meg fordi jeg tror jeg kan gjøre noen fremskritt i den retningen... " 1

Kilde:
1. Monet av seg selv, p172, redigert av Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989.

"Vannliljer" - Claude Monet

Berømte malerier - Monet
Galleri med berømte malerier av berømte kunstnere.Foto: © davebluedevil (Creative Commons Noen rettigheter forbeholdt)

Claude Monet, "Vannliljer", c. 19140-17, olje på lerret. Størrelse 65 3/6 x 56 tommer (166,1 x 142,2 cm). I samlingen av Fine Arts Museums of San Francisco.

Monet er kanskje den mest kjente av impresjonistene, spesielt for sine malerier av refleksjonene i liljedammen i Giverny-hagen. Dette bestemte maleriet viser en liten bit sky øverst i høyre hjørne, og den flekkete blåblå av himmelen som reflekteres i vannet.

Hvis du studerer bilder av Monets hage, som denne av Monets liljedam og denne av liljeblomster, og sammenlign dem med dette maleriet, vil du få en følelse av hvordan Monet reduserte detaljene i kunsten sin, inkludert bare essensen av scenen, eller inntrykk av refleksjon, vann og lilje blomst. Klikk på "Vis full størrelse" -linken under bildet over for en større versjon der det er lettere å få en følelse av Monets pensel.

Den franske dikteren Paul Claudel sa:

"Takket være vann har [Monet] blitt maleren av det vi ikke kan se. Han adresserer den usynlige åndelige overflaten som skiller lys fra refleksjon. Luftig asurblå fangst av flytende asurblå... Farge stiger fra bunnen av vannet i skyer, i boblebad. "

Kilde:
Side 262 Art of Our Century, av Jean-Louis Ferrier og Yann Le Pichon

Camille Pissarros signatur

Underskrift av den berømte impresjonistiske artisten Camille Pissarro
Underskrift av den impresjonistiske kunstneren Camille Pissarro på 1870-maleriet hans "Landscape in the Vicinity of Louveciennes (Autumn)".Ian Waldie / Getty Images

Maleren Camille Pissarro pleier å være mindre kjent enn mange av hans samtidige (som Monet), men har et unikt sted i tidslinjen for kunst. Han jobbet både som impresjonist og nyimpresjonist, i tillegg til å påvirke nå-kjente artister som Cézanne, Van Gogh og Gauguin. Han var den eneste kunstneren som stilte ut i det hele tatt åtte Impresjonistiske utstillinger i Paris fra 1874 til 1886.

Van Gogh Selvportrett (1886/1887)

Van Gogh Selvportrett
Selvportrett av Vincent van Gogh (1886/1887). 41x32,5cm, olje på kunstnerens tavle, montert på panel. I samlingen til Art Institute of Chicago.Jimcchou / Flickr 

Dette portrett av Vincent van Gogh er i samlingen til Art Institute of Chicago. Den ble malt med en stil som ligner på punktillisme, men holder seg ikke bare til prikker.

I de to årene han bodde i Paris, fra 1886 til 1888, malte Van Gogh 24 selvportretter. Art Institute of Chicago beskrev denne som å bruke Seurats "dot-teknikk" ikke som en vitenskapelig metode, men som en intens følelsesmessig språk "der" de røde og grønne prikkene er urovekkende og helt i tråd med den nervøse spenningen som er tydelig i van Goghs blikk. "

I et brev noen år senere til søsteren Wilhelmina skrev Van Gogh:

"Jeg malte to bilder av meg selv i det siste, hvorav den ene har den virkelige karakteren, tror jeg, selv om de i Holland sannsynligvis ville spotte ideene om portrettmaleri som spirer her... Jeg synes alltid fotografier er avskyelige, og jeg liker ikke å ha dem rundt, spesielt ikke de av personer jeg kjenner og elsker... fotografiske portretter visner mye raskere enn vi selv, mens det malte portrettet er en ting som kjennes, gjøres med kjærlighet eller respekt for mennesket som blir portrettert. "

Kilde:
Brev til Wilhelmina van Gogh, 19. september 1889

Vincent van Goghs signatur

Vincent van Gogh Signature on The Night Cafe
"The Night Cafe" av Vincent van Gogh (1888).Teresa Veramendi / Vincents gul

The Night Cafe av Van Gogh er nå i samlingen av Yale University Art Gallery. Det er kjent at Van Gogh bare signerte de maleriene han var spesielt fornøyd med, men det som er uvanlig i tilfellet med dette maleriet er at han la til en tittel under signaturen sin, "Le café de Nuit."
Legg merke til at Van Gogh signerte maleriene sine ganske enkelt "Vincent", ikke "Vincent van Gogh" eller "Van Gogh."

I et brev til sin bror Theo, skrevet 24. mars 1888, sa han:

"I fremtiden burde navnet mitt bli lagt inn i katalogen mens jeg signerer det på lerretet, nemlig Vincent og ikke Van Gogh, av den enkle grunn at de ikke vet hvordan de skal uttale det sistnevnte navnet her."

"Her" er Arles, sør i Frankrike.
Hvis du har lurt på hvordan du uttaler Van Gogh, husk at det er et nederlandsk etternavn, ikke fransk eller engelsk. Så "Gogh" blir uttalt, så den rimer med den skotske "loch". Det er ikke "goff" eller "go".

The Starry Night - Vincent van Gogh

The Starry Night - Vincent van Gogh
The Starry Night av Vincent van Gogh (1889). Olje på lerret, 73,7x92,1 cm, 29x36 1/4 ". I samlingen til Moma, New York.Jean-Francois Richard

Dette maleriet, som muligens er det mest berømte maleriet av Vincent van Gogh, er i samlingen på Museum for moderne kunst i New York.
Van Gogh malte The Starry Night i juni 1889, etter å ha nevnt morgenstjernen i et brev til sin bror Theo skrevet rundt 2. juni 1889: "Denne morgenen så landet fra vinduet mitt lenge før soloppgang, uten annet enn morgenstjernen, som så veldig stor ut. "Morgenstjernen (faktisk planeten Venus, ikke en stjerne) anses generelt å være den store hvite som er malt like til venstre for midten av maleriet.
Tidligere brev fra Van Gogh nevner også stjernene og nattehimmelen, og hans ønske om å male dem:

1. "Når skal jeg noen gang komme til å gjøre stjernehimmelen, det bildet som alltid er i tankene mine?" (Brev til Emile Bernard, ca. 18. juni 1888)
2. "Når det gjelder stjernehimmelen, håper jeg veldig mye på å male den, og kanskje vil jeg gjøre en av disse dagene" (Brev til Theo van Gogh, 26. september 1888).
3. "For øyeblikket vil jeg absolutt male en stjernehimmel. Det virker ofte for meg at natten fremdeles er rikere farget enn dagen; ha fargetoner av de mest intense fioler, blues og greener. Hvis du bare tar hensyn til det, vil du se at visse stjerner er sitrongule, andre rosa eller en grønn, blå og glem meg-ikke-glans... det er åpenbart at det å sette små hvite prikker på den blå-sorte ikke er nok til å male en stjernehimmel. "(Brev til Wilhelmina van Gogh, 16. september 1888)

Restaurant de la Sirene på Asnieres - Vincent van Gogh

"Restauranten de la Sirene, på Asnieres" - Vincent van Gogh
"The Restaurant de la Sirene, at Asnieres" av Vincent van Gogh.Marion Boddy-Evans (2007) / Lisensiert til About.com, Inc.

Dette maleriet av Vincent van Gogh er i samlingen av Ashmolean Museum i Oxford, Storbritannia. Van Gogh malte den kort tid etter at han ankom Paris i 1887 for å bo sammen med broren Theo i Montmartre, hvor Theo ledet et kunstgalleri.
For første gang ble Vincent eksponert for maleriene til impresjonistene (spesielt Monet) og møtte kunstnere som Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard og Pissarro. Sammenlignet med hans forrige arbeid, som ble dominert av mørke jordfarger som er typiske for nordeuropeiske malere som Rembrandt, viser dette maleriet innflytelsen fra disse kunstnerne til ham.
Fargene han brukte har blitt lysere og lysere, og penselverket hans har blitt løsere og tydeligere. Se på disse detaljene fra maleriet, så ser du hvordan han har brukt små streker av ren farge, skilt fra hverandre. Han blander ikke farger på lerretet, men lar dette skje i betrakterens øye. Han prøver ut ødelagt farge impresjonistenes tilnærming.
Sammenlignet med hans senere malerier, er fargestripene plassert fra hverandre, med en nøytral bakgrunn som vises mellom dem. Han har ennå ikke dekket hele lerretet med mettet farge, og han utnytter heller ikke mulighetene til å bruke pensler for å skape tekstur i selve malingen.

Restaurant de la Sirene, på Asnieres av Vincent van Gogh (Detalj)

Vincent van Gogh (Ashmolean Museum)
Detaljer fra "The Restaurant de la Sirene, at Asnieres" av Vincent van Gogh (olje på lerret, Ashmolean Museum).Marion Boddy-Evans (2007) / Lisensiert til About.com, Inc.

Disse detaljene fra Van Goghs maleri Restaurant de la Sirene på Asnieres (i samlingen til Ashmolean Museum) viser hvordan han eksperimenterte med penselverket og penselen etter eksponering for maleriene til impresjonistene og andre samtidige parisere kunstnere.

"Four Dancers" - Edgar Degas

"Four Dancers" - Edgar Degas
MikeandKim / Flickr

Edgar Degas, Four Dancers, c. 1899. Olje på lerret. Størrelse 59 1/2 x 71 tommer (151,1 x 180,2 cm). I Nasjonalgalleriet for kunst, Washington.

"Portrett av kunstnerens mor" - Whistler

Maleri av Whistlers mor
"Arrangement in Grey and Black No. 1, Portrait of the Artist's Mother" av James Abbott McNeill Whistler (1834-1903). 1871. 144,3x162,5cm. Olje på lerret. I samlingen av Musee d'Orsay, Paris.Bill Pugliano / Getty Images / Musee d'Orsay / Paris / Frankrike

Dette er muligens Whistlers mest berømte maleri. Dens fulle tittel er "Arrangement in Grey and Black No. 1, Portrait of the Artist's Mother". Moren sa ja til å stille opp for maleriet da modellen Whistler hadde brukt, ble syk. Først ba han henne om å posere stående, men som du ser ga han seg og lot henne sette seg ned.
På veggen er etsningen av Whistler, "Black Lion Wharf." Hvis du ser veldig nøye på gardinen øverst til venstre av etsens ramme, vil du se et lettere flekk, det er sommerfuglesymbolet Whistler pleide å signere maleriene sine. Symbolet var ikke alltid det samme, men det endret seg, og formen brukes til å datere kunstverket hans. Det er kjent at han hadde begynt å bruke den innen 1869.

"Hope II" - Gustav Klimt

"Hope II" - Gustav Klimt
"Hope II" - Gustav Klimt.Jessica Jeanne / Flickr
"Den som vil vite noe om meg - som kunstner, den eneste bemerkelsesverdige tingen - burde se nøye på bildene mine og prøve å se i dem hva jeg er og hva jeg vil gjøre." Klimt.

Gustav Klimt malte Håper II på lerret i 1907/8 med oljemaling, gull og platina. Den er 110,5 x 110,5 cm (43,5x43,5 "). Maleriet er en del av samlingen av Museum for moderne kunst i New York.
Håper II er et vakkert eksempel på Klimts bruk av bladgull i malerier og hans rike dekorative stil. Se på hvordan han malte plagget som hovedfiguren hadde på seg, hvordan det er en abstrakt form dekorert med sirkler, men likevel leser vi det som en kappe eller kjole. Hvordan det nederst smelter sammen i de tre andre ansiktene.
I sin illustrerte biografi om Klimt sa kunstkritiker Frank Whitford:

Klimt "påførte ekte gull- og sølvblad for å ytterligere øke inntrykket av at maleriet er en verdifull gjenstand, ikke eksternt et speil der naturen kan skimtes, men en nøye bearbeidet gjenstand. " 2

Det er en symbolikk som fremdeles anses som gyldig i dag, gitt at gull fremdeles blir sett på som en verdifull vare.
Klimt bodde i Wien i Østerrike og hentet sin inspirasjon mer fra Østen enn Vesten, fra "slike kilder som Bysantinsk kunst, mykensk metallarbeid, persiske tepper og miniatyrer, mosaikkene til Ravenna-kirkene og japansk skjermer. " 3
Kilde:
1. Artister i kontekst: Gustav Klimt av Frank Whitford (Collins & Brown, London, 1993), bakdeksel.
2. Ibid. p82.
3. MoMA høydepunkter (Museum of Modern Art, New York, 2004), s. 54

Picassos signatur

Picassos signatur
Picassos signatur på 1903-maleriet hans "Portrait of Angel Fernandez de Soto" (eller "The Absinthe Drinker").Oli Scarff / Getty Images

Dette er signaturen til Picasso på sitt maleri fra 1903 (fra hans blå periode) med tittelen "Absintdrikkeren."
Picasso eksperimenterte med forskjellige forkortede versjoner av navnet hans som maleriets signatur, inkludert sirklet initialer, før de satte inn "Pablo Picasso." I dag hører vi ham generelt referert til som ganske enkelt "Picasso."

Hans fulle navn var: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso1.

Kilde:
1. "A Sum of Destructions: Picasso's Cultures and the Creation of Cubism," av Natasha Staller. Yale University Press. Side s209.

"Absintdrikkeren" - Picasso

"Absintdrikkeren" - Picasso
Picassos maleri fra 1903 "Portrait of Angel Fernandez de Soto" (eller "Absintdrikkeren").Oli Scarff / Getty Images

Dette maleriet ble skapt av Picasso i 1903, i løpet av hans blå periode (en tid da blåtoner dominerte Picassos malerier; da han var i tjueårene). Den inneholder kunstneren Angel Fernandez de Soto, som var mer entusiastisk over festing og drikking enn maleriet hans1, og som delte et studio med Picasso i Barcelona ved to anledninger.
Maleriet ble lagt ut på auksjon i juni 2010 av Andrew Lloyd Webber Foundation etter at det var oppnådd et utenforstående rettsforlik i USA om eierskap, etter påstand fra etterkommere av den tysk-jødiske bankmannen Paul von Mendelssohn-Bartholdy om at maleriet hadde vært under tvang på 1930-tallet under naziregimet i Tyskland.

Kilde:
1. Christies auksjonshus pressemelding, "Christie's to Offer Picasso Masterpiece", 17. mars 2010.

"Tragedien" - Picasso

"Tragedien" - Picasso
"Tragedien" - Picasso.MikeandKim / Flickr

Pablo Picasso, Tragedien, 1903. Olje på tre. Størrelse 41 7/16 x 27 3/16 tommer (105,3 x 69 cm). I Nasjonalgalleriet for kunst, Washington.

Det er fra hans blå periode, da maleriene hans, som navnet antyder, alle var dominert av blues.

Skisse av Picasso for hans berømte "Guernica" -maleri

Picasso skisse for hans maleri Guernica
Picassos skisse for hans maleri "Guernica.".Gotor / Cover / Getty Images

Mens han planla og jobbet med sitt enorme maleri Guernica, gjorde Picasso mange skisser og studier. Bildet viser en av hans sammensetning skisser, som det i seg selv ikke ser ut som mye, en samling av rissete linjer.

I stedet for å prøve å tyde hva de forskjellige tingene kan være og hvor det er i det endelige maleriet, kan du tenke på det som Picasso-stenografi. Enkel markering for bilder han hadde i tankene sine. Fokuser på hvordan han bruker dette til å bestemme hvor elementene skal plasseres i maleriet, på samspillet mellom disse elementene.

"Guernica" - Picasso

"Guernica" - Picasso
"Guernica" - Picasso.Bruce Bennett / Getty Images

Dette berømte maleriet av Picasso er enormt: 11 fot 6 tommer høy og 25 fot 8 tommer bred (3,5 x 7,76 meter). Picasso malte den på bestilling for den spanske paviljongen på verdensmessen 1937 i Paris. Det er i Museo Reina Sofia i Madrid, Spania.

"Portrait de Mr Minguell" - Picasso

Picasso portrettmaleri av Minguell fra 1901
"Portrait de Mr Minguell" av Pablo Picasso (1901). Oljemaling på papir lagt på lerret. Størrelse: 52x31,5 cm (20 1/2 x 12 3/8 tommer).Oli Scarff / Getty Images

Picasso gjorde dette portrettmaleriet i 1901 da han var 20. Temaet en katalansk skredder, Mr. Minguell, som det antas at Picasso ble introdusert for av sin kunsthandler og venn Pedro Manach1. Stilen viser opplæringen Picasso hadde i tradisjonelt maleri, og hvor langt malestilen hans utviklet seg i løpet av karrieren. At det er malt på papir er et tegn på at det ble gjort på en gang da Picasso var blakk, og ennå ikke tjente nok penger fra kunsten sin til å male på lerret.

Picasso ga Minguell maleriet i gave, men kjøpte det senere og hadde det fremdeles da han døde i 1973. Maleriet ble satt på lerret og sannsynligvis også restaurert under Picassos veiledning "en gang før 1969"2, da den ble fotografert for en bok av Christian Zervos på Picasso.

Neste gang du er i et av disse middagsargumentene om hvordan alle ikke-realistiske malere bare maler abstrakt, kubistisk, fauvist, impresjonistisk, velg din stil fordi de ikke kan lage "ekte malerier", spør personen om de setter Picasso i denne kategorien (de fleste gjør), og nevn deretter dette maleriet.

Kilde:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Lot Details Impressionist and Modern Art Sale 22. juni 2010. (Tilgang 3. juni 2010.)

"Dora Maar" eller "Tête De Femme" - Picasso

"Dora Maar" eller "Tête De Femme" - Picasso
"Dora Maar" eller "Tête De Femme" - Picasso.Peter Macdiarmid / Getty Images

Da det ble solgt på auksjon i juni 2008, ble dette maleriet av Picasso solgt for £ 7,881,250 (US $ 15,509,512). Auksjonsestimatet hadde vært tre til fem millioner pund.

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso
Les Demoiselles d'Avignon av Pablo Picasso, 1907. Olje på lerret, 8 x 7 '8 "(244 x 234 cm). Museum of Modern Art (Moma) New York.Davina DeVries / Flickr 

Dette enorme maleriet (nesten åtte kvadratmeter) av Picasso blir varslet som en av de viktigste delene av moderne kunst som noen gang er skapt, om ikke de viktigst, et viktig maleri i utviklingen av moderne kunst. Maleriet skildrer fem kvinner - prostituerte i et bordell - men det er mye debatt om hva det hele betyr og alle referanser og påvirkninger i det.
Kunstkritiker Jonathan Jones1 sier:

"Det som slo Picasso om afrikanske masker [tydelig i ansiktene til figurene til høyre] var mest åpenbare ting: at de forkledning deg, gjør deg til noe annet - et dyr, en demon, en Gud. Modernisme er en kunst som bærer en maske. Det står ikke hva det betyr; det er ikke et vindu, men en vegg. Picasso valgte temaet nettopp fordi det var en klisje: han ønsket å vise at originalitet i kunsten ikke ligger i fortelling eller moral, men i formell oppfinnelse. Dette er grunnen til at det er misvisende å se Les Demoiselles d'Avignon som et maleri "om" bordeller, prostituerte eller kolonialisme. "

Kilde:
1. Pablo's Punks av Jonathan Jones, Vergen9. januar 2007.

"Kvinne med gitar" - Georges Braque

"Kvinne med gitar" - Georges Braque
"Kvinne med gitar" - Georges Braque.Independentman / Flickr

Georges Braque, Kvinne med gitar, 1913. Olje og kull på lerret. 51 1/4 x 28 3/4 tommer (130 x 73 cm). I Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris.

The Red Studio - Henri Matisse

The Red Studio - Henri Matisse
The Red Studio - Henri Matisse.Liane / Lil'bear / Flickr

Dette maleriet er i samlingen av Museum for moderne kunst (Moma) i New York. Det viser interiøret i Matisse malerstudio, med flat perspektiv eller et enkelt bildeplan. Veggene i studioet hans var faktisk ikke røde, de var hvite; han brukte rødt i maleriet for effekt.
Utstillet i studioet hans er forskjellige kunstverk og biter av studiomøbler. Konturene av møblene i studioet hans er linjer i malingen som avslører fargen fra et nedre, gult og blått lag, ikke malt på toppen av det røde.

1. "Vinklede linjer antyder dybde, og det blågrønne lyset i vinduet forsterker følelsen av indre rom, men vidstrakt rødt flater bildet. Matisse øker denne effekten ved for eksempel å utelate den vertikale linjen i hjørnet av rommet. "
- MoMA Highlights, publisert av Moma, 2004, side 77.
2. "Alle elementene... synke deres individuelle identiteter i det som ble en langvarig meditasjon over kunst og liv, rom, tid, persepsjon og selve virkeligheten... et veikryss for vestlig maleri, hvor den klassiske utadvendte, overveiende representasjonskunsten fra tidligere møtte fremtidens foreløpige, internaliserte og selvrefererende etos... "
- Hilary Spurling,, side 81.

Dansen - Henri Matisse

Matisse dansermalerier
Galleri med berømte malerier av berømte artister "The Dance" av Henri Matisse (øverst) og oljeskissen han gjorde for den (nederst).Bilder © Cate Gillon (øverst) og Sean Gallup (nederst) / Getty Images

Det øverste bildet viser Matisses ferdige maleri med tittelen Dansen, fullført i 1910 og nå i State Hermitage Museum i St. Petersburg, Russland. Det nederste bildet viser den komposisjonelle studien i full størrelse han laget for maleriet, nå i MOMA i New York, USA. Matisse malte den på oppdrag fra den russiske kunstsamleren Sergei Shchukin.
Det er et enormt maleri, nesten fire meter bredt og to og en halv meter høyt (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2"), og er malt med en palett begrenset til tre farger: rød, grønt og blått. Jeg tror det er et maleri som viser hvorfor Matisse har et så godt rykte som en fargelegger, spesielt når du sammenligner studien med det endelige maleriet med sine glødende figurer.
I sin biografi om Matisse (på side 30) sier Hilary Spurling:

"De som så den første versjonen av Danse beskrev den som blek, delikat, til og med drømmeaktig, malt i farger som ble forsterket... i den andre versjonen til en hard, flat frise av vermilionfigurer som vibrerer mot bånd av lysegrønn og himmel. Samtiden så maleriet som hedensk og dionysisk. "

Legg merke til det flate perspektivet, hvordan figurene er av samme størrelse i stedet for de som er lenger borte fra å være mindre, som ville forekomme i perspektiv eller forkortet for representasjonsmalerier. Hvordan linjen mellom det blå og det grønne bak figurene er buet, ekko sirkelen av figurer.

"Overflaten ble farget til metning, til det punktet hvor blå, ideen om absolutt blå, var endelig til stede. En lys grønn for jorden og en levende vermilion for kroppene. Med disse tre fargene hadde jeg min harmoni med lys og også renhet i tonen. "- Matisse

Kilde:
"Introduksjon til From Russian-utstillingen for lærere og studenter" av Greg Harris, Royal Academy of Arts, London, 2008.

Berømte malere: Willem de Kooning

Willem de Kooning
Willem de Kooning maler i studioet sitt i Easthampton, Long Island, New York, i 1967.Ben Van Meerondonk / Hulton Archive / Getty Images

Maleren Willem de Kooning ble født i Rotterdam i Nederland 24. august 1904, og døde i Long Island, New York, 19. mars 1997. De Kooning var i lære hos kommersiell kunst og dekorasjonsfirma da han var 12 år og deltok på kveldskurs på Rotterdam Academy of Fine Arts and Techniques i åtte år. Han emigrerte til USA i 1926 og begynte å male på heltid i 1936.

De Koonings malestil var abstrakt ekspresjonisme. Han hadde sin første separatutstilling på Charles Egan Gallery i New York i 1948, med et verk i svart-hvitt emaljemaling. (Han begynte å bruke emaljelakk da han ikke hadde råd til kunstnerens pigmenter.) På 1950-tallet ble han anerkjent som en av lederne for abstrakt ekspresjonisme, selv om noen purister av stilen trodde maleriene hans (som f.eks hans Kvinne serier) inkludert inkluderer for mye av den menneskelige formen.

Maleriene hans inneholder mange lag, elementer overlappet og skjult mens han bearbeidet og bearbeidet et maleri. Endringer er tillatt å vises. Han tegnet på lerretene i kull i stor utstrekning for den første komposisjonen og mens han malte. Hans penselarbeid er gestikulert, uttrykksfullt, vilt, med en følelse av energi bak slagene. De endelige maleriene ser ut som ferdige, men var ikke.

De Koonings kunstneriske produksjon strakte seg over nesten syv tiår og inkluderte malerier, skulpturer, tegninger og trykk. Hans siste malerier Kilde på slutten av 1980-tallet. Hans mest berømte malerier er Pink Angels (c. 1945), Utgraving (1950), og hans tredje Kvinne serier (1950–53) gjort i en mer malerisk stil og improvisasjonstilnærming. På 1940-tallet jobbet han samtidig i abstrakte og representasjonsmessige stiler. Gjennombruddet hans kom med de svart-hvite abstrakte komposisjonene 1948–49. På midten av 1950-tallet malte han de urbane abstraksjonene, og vendte tilbake til figurasjon på 1960-tallet, deretter til de store gestus-abstraksjonene på 1970-tallet. På 1980-tallet endret de Kooning seg til å jobbe på glatte overflater, og glaserte med lyse, gjennomsiktige farger over fragmenter av gesttegninger.

Amerikansk gotikk - Grant Wood

Amerikansk gotikk - Grant Wood
Kurator Jane Milosch ved Smithsonian American Art Museum sammen med det berømte maleriet av Grant Wood kalt "American Gothic". Mål på størrelse: 78x65 cm (30 3/4 x 25 3/4 in). Oljemaling på Beaver Board.Shealah Craighead / White House / Getty Images

amerikansk gotisk er sannsynligvis den mest berømte av alle maleriene den amerikanske kunstneren Grant Wood noensinne har laget. Det er nå i Art Institute of Chicago.

Grant Wood malte "American Gothic" i 1930. Den skildrer en mann og hans datter (ikke hans kone1) som står foran huset sitt. Grant så bygningen som inspirerte maleriet i Eldon, Iowa. Den arkitektoniske stilen er amerikansk gotisk, og det er her maleriet får tittelen. Modellene til maleriet var Woods søster og deres tannlege.2. Maleriet er signert nær underkanten, på mannens kjeledress, med kunstnerens navn og året (Grant Wood 1930).

Hva betyr maleriet? Wood mente at det skulle være en verdig gjengivelse av karakteren til Midwestern-amerikanere som viser deres puritanske etikk. Men det kan sees på som en kommentar (satire) på landsbygdens intoleranse overfor utenforstående. Symbolikken i maleriet inkluderer hardt arbeid (høygaffelen) og tamhet (blomsterpotter og forkle med kolonitrykk). Hvis du ser nøye etter, vil du se de tre tappene på høygaffelen ekko i sømmen på mannens overall, og fortsetter opp stripene på skjorten.

Kilde:
amerikansk gotisk, Art Institute of Chicago, hentet 23. mars 2011.

"Christ of St John of the Cross" - Salvador Dali

Christ of St John of the Cross av Salvador Dali, samling av Kelvingrove Art Gallery, Glasgow.
Christ of St John of the Cross av Salvador Dali, samling av Kelvingrove Art Gallery, Glasgow.Jeff J Mitchell / Getty Images

Dette maleriet av Salvador Dali er i samlingen av Kelvingrove kunstgalleri og museum i Glasgow, Skottland. Den ble først vist på galleriet 23. juni 1952. Maleriet ble kjøpt for 8 200 £, som ble sett på som en høy pris, selv om det inkluderte copyright som har gjort det mulig for galleriet å tjene reproduksjonsgebyrer (og selge utallige postkort!).
Det var uvanlig at Dali solgte copyright til et maleri, men han trengte pengene. (Opphavsrett forblir hos kunstneren med mindre den er signert, se Vanlige spørsmål om kunstnerens copyright.)

"Tilsynelatende i økonomiske vanskeligheter ba Dali opprinnelig om £ 12.000, men etter noen vanskelige forhandlinger... han solgte den for nesten en tredjedel mindre og signerte et brev til byen [Glasgow] i 1952 og avstod copyright.

Maleriets tittel er en referanse til tegningen som inspirerte Dali. Penn- og blekktegningen ble utført etter en visjon Saint John of the Cross (en spansk karmelittbrønn, 1542–1591) hadde der han så Kristi korsfestelse som om han så på den ovenfra. Komposisjonen er slående for sitt uvanlige synspunkt på Kristi korsfestelse, lyset er dramatisk og sterkt skygger, og stor bruk gjort av forkorter i figuren. Landskapet nederst på maleriet er havnen i Dali hjemby, Port Lligat i Spania.
Maleriet har vært kontroversielt på mange måter: beløpet som ble betalt for det; temaet; stilen (som fremsto retro snarere enn moderne). Les mer om maleriet på galleriets hjemmeside.

Kilde:
"Surrealistisk tilfelle av Dali-bildene og en kamp om kunstnerisk lisens"av Severin Carrell, Vergen27. januar 2009

Campbell's Soup Cans - Andy Warhol

Andy Warhols suppetinnmalerier
Andy Warhols suppetinnmalerier.© Tjeerd Wiersma / Flickr

Detalj fra Andy Warhol Campbells suppekanne. Akryl på lerret. 32 malerier hver 20x16 "(50,8x40,6cm). I samlingen av Museum for moderne kunst (MoMA) i New York.
Warhol stilte først ut sin serie med Campbells suppe-malerier i 1962, med bunnen av hvert maleri som hvilte på en hylle som en boks ville gjort i et supermarked. Det er 32 malerier i serien, antall varianter av suppe som den gang ble solgt av Campbell's.
Hvis du hadde sett for deg at Warhol skulle strømpe pantryet med supper, kan du spise en boks etter hvert som han hadde malt. I følge Moras nettsted brukte Warhol en produktliste fra Campbell for å tildele hvert maleri en annen smak.
På spørsmål om det sa Warhol:

"Jeg pleide å drikke den. Jeg hadde den samme lunsjen hver dag, i tyve år, antar jeg, det samme om og om igjen. "1

Warhol hadde tilsynelatende ikke en ordre han ønsket at maleriene skulle vises i. Moma viser maleriene "i rader som gjenspeiler den kronologiske rekkefølgen [suppene] ble introdusert i, begynnende med" Tomat "øverst til venstre, som debuterte i 1897."

Så hvis du maler en serie og vil at de skal vises i en bestemt rekkefølge, må du huske å notere dette et sted. Lerretsenes bakkant er trolig den beste, da blir den ikke skilt fra maleriet (selv om det kan bli skjult hvis maleriene er innrammet).
Warhol er en kunstner som ofte blir nevnt av malere som ønsker å lage avledede verk. To ting er verdt å merke seg før du gjør lignende ting:

  1. Momas nettsted, det er en indikasjon på en lisens fra Campbell's Soup Co (dvs. en lisensavtale mellom suppeselskapet og kunstnerens eiendom).
  2. Håndhevelse av opphavsrett ser ut til å ha vært et mindre problem i Warhols tid. Ikke gjør antagelser om copyright basert på Warhols arbeid. Gjør din undersøkelse og bestem hva bekymringsnivået ditt er om en mulig sak om brudd på opphavsretten.

Campbell ga ikke Warhol i oppdrag å lage maleriene (selv om de senere bestilte en for en avtredende styreleder i 1964) og hadde bekymringer da merket dukket opp i Warhols malerier i 1962, og brukte en vent-og-se-tilnærming for å bedømme hva svaret var på malerier. I 2004, 2006 og 2012 solgte Campbells bokser med spesielle Warhol-minnesmerker.

Kilde:
1. Som sitert på Moma, åpnet 31. august 2012.

Bigger Trees Near Warter - David Hockney

David Hockney Bigger Trees Near Warter
David Hockney Bigger Trees Near Warter.Øverst: Dan Kitwood / Getty Images. Nederst: Foto av Bruno Vincent / Getty Images

Topp: Kunstner David Hockney stod ved siden av en del av sitt oljemaleri "Bigger Trees Near Warter", som han donerte til Tate Britain i april 2008.
Bunn: Maleriet ble først utstilt på sommerutstillingen 2007 på Royal Academy i London, og tok opp hele veggen.
David Hockneys oljemaleri "Bigger Trees Near Warter" (også kalt Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) skildrer en scene i nærheten av Bridlington i Yorkshire. Maleriet laget av 50 lerret arrangert ved siden av hverandre. Sammenlagt er den totale størrelsen på maleriet 4,6x12 meter (40x15 fot).
På det tidspunktet Hockney malte det, var det det største stykket han noen gang hadde fullført, men ikke det første han hadde laget med flere lerret.

" Jeg gjorde dette fordi jeg skjønte at jeg kunne gjøre det uten stige. Når du maler, må du kunne gå tilbake. Vel, det er kunstnere som har blitt drept som går tilbake fra stiger, ikke sant?"
- Hockney sitert i a Reuter nyhetsrapport, 7. april 2008.

Hockney brukte tegninger og en datamaskin for å hjelpe til med komposisjon og maling. Etter at en seksjon var fullført, ble det tatt et bilde slik at han kunne se hele maleriet på datamaskinen.

"Først tegnet Hockney et rutenett som viser hvordan scenen ville passe sammen over 50 paneler. Så begynte han å jobbe med individuelle paneler in situ. Mens han jobbet med dem, ble de fotografert og gjort til en datamosaika slik at han kunne kartlegge fremgangen, siden han bare kunne ha seks paneler på veggen til enhver tid.

Kilde:
Charlotte Higgins, Verge kunstkorrespondent, Hockney donerer stort arbeid til Tate7. april 2008.

Henry Moores krigsmalerier

Henry Moore krigsmaleri
Tube Shelter Perspective Liverpool Street Extension av Henry Moore 1941. Blekk, akvarell, voks og blyant på papir.Tate © Gjengitt med tillatelse fra The Henry Moore Foundation

De Henry Moore-utstillingen på Tate Britain Gallery i London løp fra 24. februar til 8. august 2010.

Den britiske kunstneren Henry Moore er mest kjent for sine skulpturer, men også kjent for blekk, voks og akvarellmalerier av mennesker som skjuler seg i Londons undergrunnsstasjoner under andre verdenskrig. Moore var en offisiell krigskunstner, og i 2010 Henry Moore-utstillingen på Tate Britain Gallery har et rom viet til disse. Laget mellom høsten 1940 og sommeren 1941, skildret hans skildringer av sovende figurer i toget tunneler fanget en følelse av kval som forvandlet hans rykte og påvirket den populære oppfatningen av Blits. Hans arbeid på 1950-tallet reflekterte etterdriften av krig og utsiktene til ytterligere konflikt.
Moore ble født i Yorkshire og studerte ved Leeds School of Art i 1919, etter å ha tjent i første verdenskrig. I 1921 vant han et stipend til Royal College i London. Senere underviste han ved Royal College i tillegg til Chelsea School of Art. Fra 1940 bodde Moore på Perry Green i Hertfordshire, nå hjem til Henry Moore Foundation. På Venezia-biennalen i 1948 vant Moore International Sculpture Award.

"Frank" - Chuck Close

"Frank" - Chuck Close
"Frank" - Chuck Close.Tim Wilson / Flickr

"Frank" av Chuck Close, 1969. Akryl på lerret. Størrelse 274,3 x 213,4 x 7,6 cm 108 x 84 x 3 tommer. I Minneapolis Institute of Art.

Lucian Freud Selvportrett og Fotoportrett

Lucian Freud Selvportrettmaleri
Venstre: "Selvportrett: Refleksjon" av Lucian Freud (2002) 26x20 "(66x50,8cm). Olje på lerret. Til høyre: Fotoportrett tatt i desember 2007.Scott Wintrow / Getty Images

Artisten Lucian Freud er kjent for sitt intense, utilgivende blikk, men som dette selvportrettet viser, vender han det på seg selv, ikke bare modellene sine.

1. "Jeg tror et flott portrett har å gjøre med... følelsen og individualiteten og intensiteten i hensynet og fokuset på det spesifikke. " 1
2. "... du må prøve å male deg selv som en annen person. Med selvportretter blir 'likhet' en annen ting. Jeg må gjøre det jeg føler uten å være ekspresjonist. " 2


Kilde:
1. Lucian Freud, sitert i Freud at Work p32-3. 2. Lucian Freud sitert i Lucian Freud av William Feaver (Tate Publishing, London 2002), s43.

"The Father Of Mona Lisa" - Man Ray

"The Father Of Mona Lisa" av Man Ray
"The Father Of Mona Lisa" av Man Ray.Neologism / Flickr

"The Father Of Mona Lisa" av Man Ray, 1967. Gjengivelse av tegning montert på fiberplate, med tilsatt sigar. Størrelse 18 x 13 5/8 x 2 5/8 tommer (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). I samlingen av Hirshorn Museum.
Mange forbinder Man Ray bare med fotografering, men han var også en kunstner og maler. Han var venn med kunstneren Marcel Duchamp og jobbet i samarbeid med ham.
I mai 1999, Art News Magasinet inkluderte Man Ray på listen over de 25 mest innflytelsesrike kunstnerne i det 20. århundre, for fotografering og "utforskning av film, maleri, skulptur, collage, montasje. Disse prototypene vil etter hvert bli kalt performance art og conceptual art. "

Art News sa:

"Man Ray tilbød kunstnere i alle medier et eksempel på kreativ intelligens som i sin" jakt på glede og frihet "[Man Rays uttalte ledende prinsipper] låste opp hver dør den kom til og gikk fritt der den ville. "(Sitat Kilde: Art News, mai 1999," Willful Provocateur "av AD Coleman.)

Dette stykket, "The Father of Mona Lisa", viser hvordan en relativt enkel idé kan være effektiv. Den vanskelige delen kommer med ideen i utgangspunktet; noen ganger kommer de som et glimt av inspirasjon; noen ganger som en del av idédugnad; noen ganger ved å utvikle og forfølge et konsept eller en tanke.

Berømte malere: Yves Klein

Yves Klein
 Charles Wilp / Smithsonian Institution / Hirshhorn Museum

Retrospektiv: Yves Klein-utstilling på Hirshhorn Museum i Washington, USA, fra 20. mai 2010 til 12. september 2010.

Kunstneren Yves Klein er trolig mest kjent for sine monokromatiske kunstverk med sin spesielle blå (se for eksempel "Levende pensel"). IKB eller International Klein Blue er en ultramarinblå han formulerte.

Klein kalte seg "maleren av rommet" og forsøkte å oppnå immateriell åndelighet gjennom ren farge "og bekymret seg for" samtidens forestillinger om kunstens konseptuelle natur ".1.

Klein hadde en relativt kort karriere, mindre enn ti år. Hans første offentlige arbeid var en kunstnerbok Yves Peintures ("Yves Paintings"), utgitt i 1954. Hans første offentlige utstilling var i 1955. Han døde av et hjerteinfarkt i 1962, 34 år gammel. (Tidslinje for Kleins liv fra Yves Klein Archives.)

Kilde:
1. Yves Klein: With the Void, Full Powers, Hirshhorn Museum, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, åpnet 13. mai 2010.

"Levende pensel" - Yves Klein

"Levende pensel" - Yves Klein
Untitled (ANT154) av Yves Klein. Pigment og syntetisk harpiks på papir, på lerret. 102x70in (259x178cm). I samlingen av San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA).David Marwick / Flickr

Dette maleriet av den franske kunstneren Yves Klein (1928-1962) er en av seriene han brukte "levende pensler." Han dekket nakne kvinnemodeller med sin signaturblå maling (International Klein Blue, IKB) og deretter i et stykke performancekunst foran et publikum "malt" med dem på store ark ved å rette dem verbalt.
Tittelen "ANT154" er hentet fra en kommentar fra en kunstkritiker, Pierre Restany, som beskriver malerier produsert som "antropometrier fra den blå perioden." Klein brukte akronymet ANT som en serie tittel.

Svart maleri - Ad Reinhardt

Ad Reinhardts sortmaleri
Ad Reinhardts sortmaleri.Amy Sia / Flickr
"Det er noe galt, uansvarlig og tankeløs med farger; noe umulig å kontrollere. Kontroll og rasjonalitet er en del av min moral. " - Ad Reinhard i 1960 1

Dette monokrome maleriet av den amerikanske kunstneren Ad Reinhardt (1913-1967) er på Museum of Modern Art (Moma) i New York. Det er 60x60 "(152,4x152,4cm), olje på lerret, og er malt 1960-61. I løpet av det siste tiåret og litt av livet (han døde i 1967) brukte Reinhardt bare svart i maleriene.
Amy Sia, som tok bildet, sier innlederen påpeker hvordan maleriet er delt opp i ni firkanter, hver med en annen nyanse av svart.
Ikke bekymre deg hvis du ikke kan se det på bildet. Det er vanskelig å se selv når du er foran maleriet. I henne essay om Reinhardt for Guggenheim, beskriver Nancy Spector Reinhardts lerreter som "dempede sorte firkanter som inneholder knapt merkbare korsformer [som] utfordrer synlighetens grenser" 2.
Kilde:
1. Farge i Art av John Gage, s. 205
2. Reinhardt av Nancy Spector, Guggenheim Museum (besøkt 5. august 2013)

John Virtue's London Painting

John Virtue's Painting
Hvit akrylmaling, svart blekk og skallakk på lerret. I samlingen av National Gallery i London.Jacob Appelbaum / Flickr

Den britiske kunstneren John Virtue har malt abstrakte landskap med bare svart og hvitt siden 1978. På en DVD produsert av London National Gallery, sier Virtue at det å jobbe svart-hvitt tvinger ham "til å være oppfinnsom... å gjenoppfinne." Eschewing-fargen "blir dypere min følelse av hvilken farge det er... Følelsen av det jeg virkelig ser... er best og mer nøyaktig og mer formidlet ved ikke å ha en palett med olje maling. Fargen ville være en blindvei. "
Dette er et av John Virtues malerier i London, laget mens han var kunstner ved National Gallery (fra 2003 til 2005). De Nasjonalgalleriets nettsted beskriver Virtues malerier som "affiniteter med orientalsk penselmaling og amerikansk abstrakt ekspresjonisme" og nært knyttet til "den store engelsken landskapsmalere, Turner og Constable, som Virtue beundrer enormt ", i tillegg til å bli påvirket av de" nederlandske og flamske landskapene Ruisdael, Koninck og Rubens ".
Dyd gir ikke titler på maleriene hans, bare tall. I et intervju i april 2005-utgaven av Kunstner og illustratører magasinet, Virtue, sier at han begynte å nummerere sitt arbeid kronologisk tilbake i 1978 da han begynte å jobbe i monokrom:

"Det er ikke noe hierarki. Det spiller ingen rolle om det er 28 fot eller tre inches. Det er en ikke-verbal dagbok om min eksistens. "

Hans malerier kalles bare "Landskap nr. 45" eller "Landskap nr. 630" og så videre.

The Art Bin - Michael Landy

Michael Landy Art Bin-utstilling på South London Gallery
Bilder av utstillinger og berømte malerier for å utvide din kunstkunnskap. Bilder fra "The Art Bin" en utstilling av Michael Landy på South London Gallery. Topp: Å stå ved siden av søpla gir virkelig en følelse av skala. Nederst til venstre: En del av kunsten i søpla. Nederst til høyre: Et tungt innrammet maleri i ferd med å bli søppel.Foto © 2010 Marion Boddy-Evans. Lisensiert til About.com, Inc.

Art Bin-utstillingen av kunstneren Michael Landy fant sted på South London Gallery fra 29. januar til 14. mars 2010. Konseptet er enormt (600m3) søppelbøtte innebygd i gallerirommet, hvor kunst kastes, "et monument til kreativ svikt"1.
Men ikke hvilken som helst gammel kunst; du måtte søke om å kaste kunsten din i søpla, enten online eller på galleriet, med Michael Landy eller en av hans representanter som bestemte seg for om den kunne være inkludert eller ikke. Hvis den ble akseptert, ble den kastet i søpla fra et tårn i den ene enden.

Da jeg var på utstillingen, ble flere stykker kastet inn, og personen som kastet hadde hatt mye øvelse fra måten han var i stand til å få ett maleri til å gli rett til den andre siden av container.
Kunstfortolkningen går ned på banen når / hvorfor kunst blir ansett som god (eller søppel), subjektiviteten i verdi tilskrevet kunst, kunstsamling, kunstsamlers og galleriers kraft til å lage eller bryte kunstnerens karrierer.

Det var absolutt interessant å gå langs sidene og se på hva som var kastet inn, hva som hadde knust (mange polystyrenstykker), og hva som ikke hadde gjort (de fleste malerier på lerret var hele). Et eller annet sted i bunnen var det et stort kranietrykk dekorert med glass av Damien Hirst og et stykke av Tracey Emin. Til slutt vil det som kan være resirkuleres (for eksempel papir- og lerretstrekkere) og resten bestemt til å deponere. Begravet som søppel, sannsynligvis ikke gravd opp århundrer fra nå av en arkeolog.

Kilde:
1&2. #Michael Landy: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), nettstedet South London Gallery, åpnet 13. mars 2010.

Barack Obama - Shepard Fairey

Barack Obama - Shepard Fairey
"Barack Obama" av Shepard Fairey (2008). Stensil, collage og akryl på papir. 60x44 tommer. National Portrait Gallery, Washington DC. Gift of the Heather and Tony Podesta Collection til ære for Mary K Podesta.Shepard Fairey / ObeyGiant.com

Dette maleriet av den amerikanske politikeren Barack Obama, blandet medie sjablong collage, ble laget av Los Angeles-baserte gatekunstner, Shepard Fairey. Det var det sentrale portrettbildet som ble brukt i Obamas presidentvalgkampanje i 2008, og distribuert som en begrenset utgave og gratis nedlasting. Den er nå i National Portrait Gallery i Washington DC.

1. "For å lage sin Obama-plakat (som han gjorde på under en uke), tok Fairey et nyhetsfoto av kandidaten fra Internett. Han søkte en Obama som så president ut... Kunstneren forenklet deretter linjene og geometrien ved å bruke en rød, hvit og blå patriotisk palett (som han leker med ved å gjøre den hvite til en beige og den blå til en pastellfarge)... ord med fet skrift ...
2. "Hans Obama-plakater (og mange av hans kommersielle og kunstverk) er omarbeidelse av teknikkene til revolusjonerende propagandister - de lyse farger, fet skrift, geometrisk enkelhet, heroiske positurer. "

Kilde: ​
"Obamas på-veggen-påtegning" av William Booth, Washington Post 18. mai 2008.

"Requiem, hvite roser og sommerfugler" - Damien Hirst

Damien Hirst No Love Lost Oil Paintings på Wallace Collection
"Requiem, White Roses and Butterflies" av Damien Hirst (2008). 1500 x 2300 mm. Olje på lerret. Hilsen Damien Hirst og The Wallace Collection.Prudence Cuming Associates Ltd / Damien Hirst

Den britiske kunstneren Damien Hirst er mest kjent for sine dyr bevart i formaldehyd, men i begynnelsen av 40-årene kom han tilbake til oljemaleri. I oktober 2009 stilte han ut malerier opprettet mellom 2006 og 2008 for første gang i London. Dette er et eksempel på et ikke kjent maleri av en kjent kunstner utstilling på Wallace Collection i London med tittelen "No Love Lost." (Datoer: 12. oktober 2009 til 24. januar 2010.)
BBC nyheter siterte Hirst.

"Han maler nå bare for hånd", at i to år var hans "malerier pinlige, og jeg ville ikke noen å komme inn. "og at han" måtte lære seg å male på nytt for første gang siden han var en tenåringskunst student."1

Pressemeldingen som fulgte Wallace-utstillingen sa:

"'Blue Paintings' vitner om en dristig ny retning i sitt arbeid; en serie malerier som med kunstnerens ord er 'dypt knyttet til fortiden'. "

Å legge maling på lerret er absolutt en ny retning for Hirst, og der Hirst går, vil kunststudenter sannsynligvis følge. Oljemaleri kan bli trendy igjen.
About.com's Guide to London Travel, Laura Porter, gikk til presseforhåndsvisning av Hirsts utstilling og fikk svar på det ene spørsmålet jeg var opptatt av å vite: Hvilke blå pigmenter brukte han?

Laura ble fortalt at det var "Preussen blå for alle unntatt ett av de 25 maleriene, som er svarte. "Ikke rart det er så mørkt, ulmende blått!
Kunstkritiker Adrian Searle av Vergen var ikke veldig gunstig med Hirsts malerier:

"På det verste ser Hirsts tegning bare amatøraktig og ungdommelig ut. Hans penselarbeid mangler den følelsen og panache som får deg til å tro på malernes løgner. Han kan ennå ikke bære den av seg. "2

Kilde:
1 Hirst 'gir opp syltede dyr', BBC News, 1. oktober 2009
2. "Damien Hirsts malerier er dødelig kjedelige, "Adrian Searle, Verge14. oktober 2009.

Kjente artister: Antony Gormley

Kjente kunstnere Antony Gormley, skaper av Nordens Engel
Kunstner Antony Gormley (i forgrunnen) på den første dagen av sitt fjerde sokkelinstallasjonskunstverk på Trafalgar Square i London.Jim Dyson / Getty Images

Antony Gormley er en britisk kunstner som kanskje er mest kjent for sin skulptur Angel of the North, avduket i 1998. Den står i Tyneside, nordøst i England, på et sted som en gang var en kolli, og ønsket deg velkommen med sine 54 meter brede vinger.
I juli 2009 så Gormleys installasjonskunstverk på Fourth Plinth på Trafalgar Square i London en frivillig stående en time på sokkelen, 24 timer i døgnet, i 100 dager. I motsetning til de andre sokklene på Trafalgar Square, den fjerde sokkelen rett utenfor Nasjonalgalleriet, har den ikke en permanent statue. Noen av deltakerne var kunstnere selv, og tegnet deres uvanlige synspunkt (foto).
Antony Gormley ble født i 1950 i London. Han studerte i forskjellige høyskoler i Storbritannia og buddhismen til India og Sri Lanka, før han fokuserte på skulptur ved Slade School of Art i London mellom 1977 og 1979. Hans første separatutstilling var på Whitechapel Art Gallery i 1981. I 1994 vant Gormley Turnerprisen med sitt "Field for the British Isles".
Hans biografi om hans nettsted sier:

... Antony Gormley har revitalisert menneskets image i skulptur gjennom en radikal undersøkelse av kroppen som et sted for minne og transformasjon, ved å bruke sin egen kropp som subjekt, verktøy og materiale. Siden 1990 har han utvidet sin bekymring for den menneskelige tilstanden for å utforske den kollektive kroppen og forholdet mellom selv og andre i store installasjoner ...

Gormley skaper ikke den typen figur han gjør fordi han ikke kan lage statuer i tradisjonell stil. Snarere tar han glede av forskjellen og evnen de gir oss til å tolke dem. I et intervju med Tidene1, han sa:

"Tradisjonelle statuer handler ikke om potensial, men om noe som allerede er komplett. De har en moralsk autoritet som er undertrykkende snarere enn samarbeidende. Mine verk anerkjenner deres tomhet. "

Kilde:
Antony Gormley, The Man Who Broke the Mold av John-Paul Flintoff, The Times, 2. mars 2008.

Berømte moderne britiske malere

Moderne malere
Moderne malere.Peter Macdiarmid / Getty Images

Fra venstre til høyre kunstnerne Bob og Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi HamblingBrian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakeog Alison Watt.
Anledningen var en visning av maleriet Diana og Actaeon av Titian (usett, til venstre) på National Gallery i London, med sikte på å skaffe midler til å kjøpe maleriet til galleriet.

Kjente artister: Lee Krasner og Jackson Pollock

Lee Krasner og Jackson Pollock
Lee Krasner og Jackson Pollock i East Hampton, ca. 1946. Foto 10x7 cm. Jackson Pollock og Lee Krasner papirer, ca. 1905-1984. Archives of American Art, Smithsonian Institution.Ronald Stein / Jackson Pollock og Lee Krasner Papers

Av disse to malerne, Jackson Pollock er mer kjent enn Lee Krasner, men uten hennes støtte og markedsføring av kunstverkene hans, kan han godt ikke ha plassen i kunsttidslinjen han gjør. Begge malt i en abstrakt ekspresjonistisk stil. Krasner kjempet for kritisk anerkjennelse i sin egen rett, i stedet for bare å bli ansett som Pollocks kone. Krasner etterlot seg et arv for å etablere Pollock-Krasner Foundation, som gir tilskudd til billedkunstnere.

Ladder Easel of Louis Aston Knight

Louis Aston Knight and His Ladder Easel
Louis Aston Knight og hans stiger staffeli. c.1890 (Uidentifisert fotograf. Svart-hvitt fotografisk trykk. Dimensjoner: 18cmx13cm. Samling: Charles Scribner's Sons Art Reference Department Records, ca. 1865-1957).Arkiv for amerikansk kunst / Smithsonian Institution

Louis Aston Knight (1873-1948) var en amerikansk kunstner i Paris kjent for sine landskapsmalerier. Han trente opprinnelig under sin kunstnerfar, Daniel Ridgway Knight. Han stilte ut på den franske salongen for første gang i 1894 og fortsatte å gjøre det gjennom hele livet mens han også fikk anerkjennelse i Amerika. Maleriet hans Etterglød ble kjøpt i 1922 av USAs president Warren Harding for Det hvite hus.
Dette bildet fra Arkiv for amerikansk kunst, dessverre, gir oss ikke et sted, men du må tro at enhver kunstner som er villig til å vasse inn vannet med sin staffelestige og maling var enten veldig dedikert til å observere naturen eller ganske showman.

1897: En kvinnekunstklasse

William Merritt Chase Art Class
En kvinnekunstklasse med instruktør William Merritt Chase.Arkiv for amerikansk kunst / Smithsonian Institution.

Dette bildet fra 1897 fra Arkiv for amerikansk kunst viser en kvinnekunstklasse med instruktør William Merritt Chase. I den tiden deltok menn og kvinner i kunstklasser hver for seg, der kvinner på grunn av tiden var heldige nok til å kunne få kunstutdannelse i det hele tatt.

Art Summer School c.1900

Sommer kunstskole i 1900
Sommer kunstskole i 1900.Arkiv for amerikansk kunst / Smithsonian Institute

Kunststudenter ved St Paul School of Fine Arts sommerklasser, Mendota, Minnesota, ble fotografert ca 1900 med lærer Burt Harwood.
Mote til side, store solhatter er veldig praktiske for maleri utendørs ettersom det holder solen utenfor øynene og hindrer ansiktet i å bli solbrent (det samme gjør en langermet topp).

"Nelson's Ship in a Bottle" - Yinka Shonibar

Nelson's Ship in a Bottle on the Fourth Sokkel på Trafalgar Square - Yinka Shonibar
Nelsons skip i en flaske på fjerde sokkel på Trafalgar Square av Yinka Shonibar.Dan Kitwood / Getty Images

Noen ganger er det et kunstverk som gir det dramatisk innvirkning, langt mer enn motivet. "Nelson's Ship in a Bottle" av Yinka Shonibar er et slikt stykke.

"Nelson's Ship in a Bottle" av Yinka Shonibar er et skip på 2,35 meter høyt inne i en enda høyere flaske. Det er en skala fra 1:29 av viseadmiral Nelsons flaggskip, HMS Seier.
"Nelson's Ship in a Bottle" dukket opp på fjerde sokkel på Trafalgar Square i London 24. mai 2010. Den fjerde sokkelen sto tom fra 1841 til 1999, da den første av en pågående serie med samtidskunstverk, bestilt spesielt for sokkelen av Fjerde sokkel igangkjøringsgruppe.
Kunstverket før "Nelson's Ship in a Bottle" var One & Other av Antony Gormley, der en annen person sto på sokkelen i en time, døgnet rundt, i 100 dager.
Fra 2005 til 2007 kunne du se en skulptur av Marc Quinn, Alison Lapper gravid, og fra november 2007 var det modell for et hotell 2007 av Thomas Schutte.
Batikdesignene på seilene til "Nelson's Ship in a Bottle" ble håndtrykt av kunstneren på lerret, inspirert av stoff fra Afrika og historien derom. Flasken er 5x2,8 meter, laget av perspex ikke glass, og flaskeåpningen er stor nok til å klatre inn for å konstruere skipet.

Format

mlaapachicago

Sitatet ditt

Boddy-Evans, Marion. "54 Berømte malerier laget av berømte kunstnere." ThoughtCo, mar. 18, 2021, thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829.Boddy-Evans, Marion. (2021, 18. mars). 54 Berømte malerier laget av berømte kunstnere. Innhentet fra https://www.thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829Boddy-Evans, Marion. "54 Berømte malerier laget av berømte kunstnere." ThoughtCo. https://www.thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829 (åpnet 29. mars 2021).

ThoughtCo bruker informasjonskapsler for å gi deg en god brukeropplevelse. Ved å bruke ThoughtCo godtar du vår

instagram story viewer