Definisjonen av form i art

Begrepet skjema kan bety flere forskjellige ting i kunsten. Form er en av de syv elementer av kunst og kobler et tredimensjonalt objekt i rommet. EN formell analyse av et kunstverk beskriver hvordan elementer og prinsipper for kunstverk sammen uavhengig av deres betydning og følelser eller tanker de kan fremkalle hos betrakteren. Endelig, skjema brukes også til å beskrive kunstverkets fysiske natur, som i metallskulptur, et oljemaleri, etc.

Når det brukes sammen med ordet Kunst som i kunstform, kan det også bety et medium med kunstnerisk uttrykk anerkjent som kunst eller et ukonvensjonelt medium gjort så bra, adroitly eller kreativt at det løftes til nivået av kunst.

Form er et av de syv elementene i kunsten som er de visuelle verktøyene som en kunstner bruker for å komponere et kunstverk. I tillegg, for å danne, inkluderer de linje, form, verdi, farge, tekstur, og rom. Som et element av kunst, skjema connotes noe som er tredimensjonalt og lukker volum, har lengde, bredde og høyde, kontra

Geometriske former er former som er matematiske, presise og kan navngis, som i de grunnleggende geometriske formene: sfære, kube, pyramide, kjegle og sylinder. En sirkel blir en kule i tre dimensjoner, en firkant blir en kube, en trekant blir en pyramide eller kjegle.

Geometriske former finnes ofte i arkitektur og det bygde miljøet, selv om du også kan det finn dem i kulene til planeter og bobler, og i det krystallinske mønsteret av snøflak, for eksempel.

Organiske former er de som er frittflytende, svingete, sene, og ikke er symmetriske eller lett målbare eller navngitte. De forekommer oftest i naturen, som i form av blomster, grener, blader, sølepytter, skyer, dyr, menneskeskikkelsen osv., men kan også finnes i de dristige og fantasifulle bygningene til den spanske arkitekten Antoni Gaudi (1852 til 1926) så vel som i mange skulpturer.

Form er mest knyttet til skulptur, siden det er en tredimensjonal kunst og tradisjonelt har bestått nesten først og fremst av form, hvor farge og tekstur er underordnet. Tredimensjonale former kan sees fra mer enn en side. Tradisjonelt kan former sees fra alle sider, kalt skulptur in-the-runde, eller inn lettelse, de der de skulpturerte elementene forblir festet til en solid bakgrunn, inkludert basrelieff, Haut-lettelse, og sunkne avlaster. Historisk ble skulpturer laget i likhet med noen, for å hedre en helt eller gud.

Det tjuende århundre utvidet betydningen av skulptur, men beskrev begrepet åpne og lukkede former, og betydningen fortsetter å utvide i dag. Skulpturer er ikke lenger bare representative, statiske, skrivesaker, former med en solid, ugjennomsiktig masse som er skåret ut av stein eller modellert av bronse. Skulptur i dag kan være abstrakt, satt sammen fra forskjellige gjenstander, kinetisk, endre seg med tiden eller laget av ukonvensjonelle materialer som lys eller hologrammer, som i en kjent kunstners verk. James Turrell.

Skulpturer kan karakteriseres i relative termer som lukkede eller åpne former. EN lukket form har en lignende følelse som den tradisjonelle formen for en solid, ugjennomsiktig masse. Selv om mellomrom eksisterer i formen, blir de inneholdt og innesperret. En lukket form har et innadrettet fokus på selve formen, isolert fra omgivelsesområdet. en åpen form er gjennomsiktig, avslører strukturen, og har derfor et mer flytende og dynamisk forhold til omgivelsesområdet. Negativt rom er en viktig komponent og aktiveringskraft i en skulptur i åpen form. Pablo picasso (1881 til 1973), Alexander Calder (1898 til 1976), og Julio Gonzalez (1876 til 1942) er noen kunstnere som skapte skulpturer i åpen form, laget av tråd og andre materialer.

Henry Moore (1898 til 1986), den store engelske artisten som sammen med sin samtid, Barbara Hepworth (1903 til 1975), var de to viktigste Britiske billedhuggere i moderne kunst revolusjonerte begge skulpturene ved å være de første til å stikke hull på formen for deres biomorfe (bio = liv, morfiske = form) skulpturer. Hun gjorde det i 1931, og han gjorde det i 1932, og la merke til at "til og med rom kan ha form" og at "et hull kan ha like mye form som betydning som en solid masse."

I tegning og maling formidles illusjonen av tredimensjonal form gjennom bruk av belysning og skygger, og gjengivelse av verdi og tone. Form defineres av den ytre konturen til et objekt, og det er slik vi først oppfatter det og begynner å gi mening om det, men lys, verdi og skygge er med på å gi en gjenstand form og kontekst i rommet slik at vi fullt ut kan identifisere oss den.

Hvis du for eksempel antar en enkelt lyskilde på en sfære, er høydepunktet der lyskilden treffer direkte; mellomtonen er mellomverdien på sfæren der lyset ikke treffer direkte; kjernen skygge er området på sfæren som lyset ikke treffer i det hele tatt og er den mørkeste delen av sfæren; den støpte skyggen er området på omkringliggende flater som er blokkert fra lyset av gjenstanden; reflektert høydepunkt er lys som reflekteres opp igjen på objektet fra de omkringliggende objektene og overflatene. Med disse retningslinjene for lys og skyggelegging i tankene, kan enhver enkel form tegnes eller males for å skape en illusjon av en tredimensjonal form.

Jo større kontrast i verdi, jo mer uttalt blir den tredimensjonale formen. Skjemaer som er gjengitt med liten variasjon i verdi, synes flatere enn de som er gjengitt med større variasjon og kontrast.

Historisk har maleriet gått fra en flat representasjon av form og rom til en tredimensjonal representasjon av form og rom, til abstraksjon. Egyptisk maleri var flatt, med den menneskelige formen presentert foran men med hode og føtter i profil. Den realistiske illusjonen av form skjedde ikke før renessansen sammen med oppdagelsen av perspektiv. Barokkartister som Caravaggio (1571 til 1610) utforsket romets, lysets og naturens natur tredimensjonal opplevelse av rommet videre gjennom bruk av chiaroscuro, den sterke kontrasten mellom lys og mørk. Skildringen av den menneskelige formen ble mye mer dynamisk, med chiaroscuro og foreshortening som ga formene en følelse av soliditet og vekt og skapte en kraftig følelse av drama. Modernismen frigjorde artister til å leke med formen mer abstrakt. Artister som Picasso, med oppfinnelsen avkubisme, brøt opp formen for å antyde bevegelse gjennom rom og tid.

Når du analyserer et kunstverk, er en formell analyse atskilt fra innholdet eller konteksten. En formell analyse betyr å anvende elementer og prinsipper i kunsten for å analysere arbeidet visuelt. Den formelle analysen kan avsløre komposisjonsbeslutninger som bidrar til å forsterke innhold, verkets essens, mening og kunstnerens intensjon, samt gi ledetråder til historisk kontekst.

For eksempel følelser av mystikk, ærefrykt og transcendens som fremkalles fra noe av det mest varige renessanse mesterverk, som Mona Lisa (Leonardo da Vinci, 1517), Opprettelsen av Adam (Michelangelo, 1512), the Siste måltid (Leonardo da Vinci, 1498) er forskjellige fra de formelle komposisjonselementene og prinsippene som linje, farge, rom, form, kontrast, vektlegging osv. brukte kunstneren til å lage maleriet og som bidrar til dets betydning, effekt og tidløse kvalitet.

• Form, Tate Museum, http://www.tate.org.uk/art/art-terms/f/form
• The Art of Sculpture, Encyclopedia of Art, http://www.visual-arts-cork.com/sculpture.htm
• Livets hull, Tate Museum, http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/hole-of-life
• Barbara Hepworth vs Henry Moore, KulturVisker, https://www.culturewhisper.com/r/article/preview/3670
• Verk av Antoni Gaudi, http://whc.unesco.org/en/list/320
• Henry Moore Foundation, https://www.henry-moore.org
• Barbara Hepworth, https://barbarahepworth.org.uk
• James Turrell, http://jamesturrell.com

• The Elements of Art: Form, Grade Level: 3-4, National Gallery of Art, https://www.nga.gov/content/ngaweb/education/teachers/lessons-activities/elements-of-art/form.html
• Shape and Form in Art: Instruksjonsprogram for karakter K-4, Lærerveiledning, http://gettingtoknow.com/wp-content/uploads/shapeinartTG.pdf